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¿Qué es un hub creativo? Podcast

Los Hubs creativos son las factorías de innovación, producción y transferencia tecnológica de la nueva economía creativa y del conocimiento.

Escucha este podcast para saber más sobre los Creative Hubs.

Una emergente y dinámica red de espacio creativos y comunidades están poblando el planeta desde hace unos 10 años, guiando y apoyando miles de proyectos de emprendimiento creativo, a menudo desconocidos por el gran público, a pesar de su importante papel, la gran cantidad de formas que adoptan y las diversas e importantes funciones que realizan para el ecosistema innovador.

Lo primero que hemos de decir para situarnos en un contexto adecuado es que un ecosistema innovador, no puede conseguirse de manera mecánica o programada, a lo que se debe aspirar, es a crear las condiciones para que surja dentro de un proceso dinámico. Para su consolidación es necesaria, la conexión, que permita la circulación de flujos de información en contextos no formalizados y la participación y el intercambio entre académicos, empresarios, organizaciones y ciudadanía, circunstancias que posibilitan la cooperación, el escalado de proyectos y la proyección exterior.

La creación de clúster y hubs creativos, se ha revelado como una condición necesaria para sembrar las bases estructuradas de la economía del conocimiento. Estas  infraestructuras de innovación social y económica , se han configurado como las factorías de esta nueva producción y son un creciente ecosistema en todo el planeta.

Poco a poco, se han ido asentando como la viva imagen de la economía post-industrial, dando servicio al inicio de muchas start up, fomentando mestizajes entre  cultura y economía, acompañando al emprendimiento creativo en muchos niveles, prototipando nuevos modelos de negocio cultural y estableciendo las redes de contacto necesarias para la cooperación y la investigación e innovación.

El Creative Hub es un término de definición todavía no asentado académicamente, nos acercamos a ella por un conjunto de características comunes, que tienen que ver con la idea de un lugar físico o virtual en el que se establecen redes de cooperación de un grupo de personas para emprender en la industria creativa o cultural.

Pudiendo tener muchas fórmulas y tamaños: desde centros físicos donde se acoge a emprendedores culturales o creativos para cooperar laboralmente, a laboratorios temporales que promueven innovaciones determinadas o redes virtuales que agrupan personas en programas anuales de eventos como puede ser Creabinars.org.

En la siguiente imagen recogemos sus más comunes tipologías:

Precisamente, ha sido El British Council quien  ha ensayado su definición con una finalidad más omnicomprensiva, y nos dice que ” Los Creative hubs son  son lugares, ya sea físicos o virtuales, que reúnen a profesionales creativos y culturales. Un Creative hub es un convocante que proporciona espacio y apoyo para la creación de redes, el desarrollo empresarial y la participación de la comunidad dentro de los sectores creativo, cultural y tecnológico. Esto puede incluir clústeres, espacios de trabajo conjunto, estudios, centros creativos, redes, plataformas en línea o lugares y organizaciones alternativos que apoyen el crecimiento, la colaboración, la interacción y el desarrollo de la industria creativa y cultural”

No obstante lo anterior, son más que edificios o redes, son las personas que los conforman, son un proceso vivo, y eso implica una actividad en constante cambio y revisión. Cada uno de ellos, tiene singularidades específicas dependiendo de su emplazamiento geográfico, contexto cultural, modelo fundacional o demandas específicas de la comunidad a la que sirve.

En este sentido, Los centros creativos tienen una variedad de propósitos:

-Proporcionar apoyo mediante servicios y/o instalaciones a las ideas, proyectos, organizaciones y empresas que albergan, ya sea a largo plazo o a corto plazo, incluyendo eventos, entrenamiento de habilidades,  y la conexión con otros agentes .

-Facilitar la colaboración y la creación de redes entre la comunidad interna,  centros de investigación y desarrollo, instituciones, industrias creativas y no creativas.

-Apoyar e incentivar talento emergente explorando los límites de la práctica contemporánea asumiendo los riesgos de la innovación.

-servir de núcleos de concentración de ecosistemas de innovación especializados.

-intercambiar, transferir y facilitar conocimientos, alimentando sistemas locales de innovación.

Y producen una amplia gama de impactos:

– Empresas de nueva creación

– Trabajos

– Nuevos productos y servicios

– inversión futura, tanto pública como comercial

– Desarrollo de talentos

– Retención del talento

– Educación informal y compromiso

– Entrenamiento


Creative Hubs are the innovation, production and technology transfer factories of the new creative economy and knowledge economy.


Listen to this podcast to find out more about Creative Hubs.


An emerging and dynamic network of creative spaces and communities have been populating the planet for about 10 years, guiding and supporting thousands of creative entrepreneurship projects, often unknown to the general public, despite their important role, the many forms they take and the diverse and important functions they perform for the innovative ecosystem.

The first thing we have to say in order to place ourselves in the right context is that an innovative ecosystem cannot be achieved in a mechanical or programmed way; what we should aim for is to create the conditions for it to emerge as part of a dynamic process. For its consolidation, it is necessary the connection that allows the circulation of information flows in non-formalised contexts and the participation and exchange between academics, entrepreneurs, organisations and citizens, circumstances that enable cooperation, the scaling up of projects and external projection.

The creation of clusters and creative hubs has proved to be a necessary condition for sowing the structured foundations of the knowledge economy. These infrastructures of social and economic innovation have been configured as the factories of this new production and are a growing ecosystem all over the planet.

Little by little, they have been establishing themselves as the living image of the post-industrial economy, providing services to many start-ups, fostering crossbreeding between culture and economy, accompanying creative entrepreneurship at many levels, prototyping new cultural business models and establishing the necessary contact networks for cooperation and research and innovation.

The Creative Hub is a definition term not yet academically settled, we approach it by a set of common characteristics, which have to do with the idea of a physical or virtual place in which cooperation networks of a group of people are established to undertake in the creative or cultural industry.

They can have many formulas and sizes: from physical centres where cultural or creative entrepreneurs are hosted to cooperate at work, to temporary laboratories that promote specific innovations or virtual networks that bring together people in annual programmes of events as it is Creabinars.org.

The following image shows the most common typologies:

Precisely, it has been the British Council who has tested its definition with a more all-encompassing purpose, and tells us that “Creative hubs are places, either physical or virtual, that bring together creative and cultural professionals. A Creative hub is a convener that provides space and support for networking, business development and community engagement within the creative, cultural and technology sectors. This may include clusters, co-working spaces, studios, creative hubs, networks, online platforms or alternative venues and organisations that support the growth, collaboration, interaction and development of the creative and cultural industry”.

However, they are more than just buildings or networks, they are the people who make them up, they are a living process, and that implies an activity in constant change and revision. Each one of them has specific singularities depending on their geographical location, cultural context, foundational model or specific demands of the community they serve.

In this sense, creative centres have a variety of purposes:

-Provide support through services and/or facilities to the ideas, projects, organisations and enterprises they host, either long term or short term, including events, skills training, and connecting with other agents.

Facilitate collaboration and networking between the internal community, research and development centres, institutions, creative and non-creative industries.

-Support and encourage emerging talent by exploring the limits of contemporary practice and taking the risks of innovation.

-Serve as hubs for the concentration of specialised innovation ecosystems.

-exchange, transfer and facilitate knowledge, nurturing local innovation systems.

And they produce a wide range of impacts:

  • Start-ups
  • Jobs
  • New products and services
  • future investment, both public and commercial
  • Talent development
  • Talent retention

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Innovación social, comunidades abiertas, capitalismo inclusivo y fabricación urbana.

La innovación social se abre paso gracias a la tecnología consciente, las comunidades abiertas, el capitalismo inclusivo y la fabricación urbana.

Por Xavier Ferrer i Serra, Creabinars.org

https://www.linkedin.com/in/xavier-ferrer-i-serra/

Tendemos a pensar que los problemas y sus soluciones pueden ser definidos en términos de causa y efecto. Sin embargo, en cualquier sistema social, los puntos de vista de cada persona, sus experiencias, sus valores, sus prejuicios, sus ideas, y la manera en que todos ellos se modifican y evolucionan al interaccionar con otros, son impredecibles. Por lo tanto, los problemas sociales, económicos, socio-sanitarios y medioambientales son complejos y las acciones orientadas a solucionarlos suelen generar consecuencias inesperadas.

Los problemas que abordan nuestras sociedades contemporáneas pueden denominarse problemas complejos o retorcidos, en inglés “wicked problems” (Churchman, 1967), nada más tenemos que pensar en la actual pandemia, por ello la concurrencia de la inteligencia colectiva, de las comunidades abiertas, de la innovación social es decisiva.

Por ello, “los enfoques convencionales han dejado de ser suficientes”. y en materia de investigación e innovación ha de adoptarse el enfoque sistémico, que incorpore la transdisciplinariedad y la apelación a la comunidad para afrontarlos de manera exitosa.

El enfoque de innovación sistémica plantea indudables desafíos a la comunidad que conforma nuestro sistema de ciencia e innovación. Por un lado, llama a una estrecha colaboración entre diferentes disciplinas, lo cual, si se desea generalizar, obliga a cambios organizativos y normativos sustanciales, especialmente en las instituciones académicas y en los organismos de investigación.

Por otro lado, requiere que los procesos de innovación se abran a la sociedad. En otras palabras, que no se produzcan sólo en un “dominio experto”, sino que el proceso innovador se base en la interacción continuada entre diferentes actores que pueden aportar conocimiento e información, creando flujos de información, contraste e interacción permanente, así como procesos de co-creación y evaluación. Esto resulta crucial cuando se quieren acortar los tiempos que transcurren “de la idea a la sociedad”.

‘la innovación hoy en día es propósito, es hacer algo que nos satisfaga como seres humanos, (…) en la Unión Europea vamos a apostar por la innovación social, no porque esté
de moda, sino porque creemos que el futuro de la innovación es la innovación social.”

Carlos Moedas, Comisario de Investigación, Ciencia e Innovación de la Unión Europea (UE)

Según la Fundación COTEC esta afirmación supone una ampliación del espacio de la innovación, ya que difumina los límites entre la innovación social y la innovación tecnológica o convencional, y pone el foco en los grandes desafíos sociales y ambientales a los que nos enfrentamos, enfatizando la necesidad de aumentar la participación de “comunidades locales (…) mediante iniciativas que procuren combinar la demanda social y el impulso tecnológico”.

Esto significa que, para poder tener un impacto transformador en el sistema socioeconómico con la ambición y la velocidad que necesitamos, no es suficiente actuar en un único dominio, como puede ser el de la tecnología. Son necesarios cambios en las dinámicas sociales, culturales y económicas, poniendo un énfasis especial en las relaciones entre ellas, y teniendo en cuenta a todos los actores implicados -ya sean personas u organizaciones-. Por ello la innovación con enfoque sistémico requiere incorporar la dimensión social a lo largo del proceso de innovación.

¿Qué es la innovación social?

La comisión Europea define la innovación social como:

“ encontrar nuevas formas de satisfacer las necesidades  sociales,que no están adecuadamente cubiertas por el mercado o el sector público… o en  producir los cambios de comportamiento necesarios para resolver los grandes retos de la sociedad… capacitando a la ciudadanía y generando nuevas relaciones sociales y nuevos modelos de colaboración. Son, por tanto, al mismo tiempo innovadoras en sí mismas y útiles para capacitar a la sociedad a innovar…”.

Estrategia 2020, Comisión Europea

Aunque sigue prevaleciendo una concepción de la innovación que equipara ésta con el desarrollo tecnológico, existen cada vez más evidencias de que para que los avances científico-técnicos contribuyan a abordar los grandes desafíos sociales, éstos tienen que estar acompañados y conectados con otros tipos de innovación, ya sea institucional, financiera o social. En este mismo sentido, la definición de innovación de la Fundación COTEC es una definición que señala el carácter no exclusivamente tecnológico de la innovación, que tiene como fin la generación de valor, no solo económico.

¿Es posible generar innovación social y obtener beneficios económicos?

Para lograrlo nuestras sociedades deben tratar de determinar grandes desafíos, ‘misiones’, con metas claras y ambiciosas, que dirijan los esfuerzos de inversión e innovación hacia su logro. Estas misiones deben ser lo suficientemente amplias como para involucrar a la ciudadanía y atraer inversiones intersectoriales y, a la vez, lo suficientemente concretas como para incorporar a la industria y lograr un éxito cuantificable y medible.

La economía social es clave en la  Agenda 2030 y los ODS mediante la promoción de un desarrollo inclusivo y sostenible a través de innovaciones y prácticas sociales, institucionales y tecnológicas concretas. No en vano, la economía social es el paradigma del gran objetivo bajo el que se engloban el resto de objetivos de desarrollo sostenible (ODS) y que no es otro que renovar el compromiso mundial no sólo para acabar con la pobreza y el hambre, sino también para lograr la protección social universal, reducir las desigualdades y alcanzar la sostenibilidad medioambiental. Se trata de objetivos que requieren cambios fundamentales en la forma en que funcionan nuestras economías.

En la Agenda 2030 se reconoce que es necesario un enfoque holístico y que seguir haciendo todo como hasta ahora no es una opción. Tal y como se refleja en el documento ‘Aplicar la Agenda 2030 a través de la economía social y solidaria’, si queremos hacer realidad la visión transformadora de la Agenda 2030, es crucial examinar estrategias de desarrollo alternativas y modelos económicos emergentes que puedan optimizarse en aras de la sostenibilidad y la inclusión.

El Profesor Michael Porter de la Havard Business School , nos explica la compatibilidad de innovar socialmente desde las empresas sin perder de vista el beneficio económico

¿Fabricación urbana?: Fabricación digital, de proximidad, con innovación abierta y visión comunitaria.

Uno de los cambios que van en esta dirección y de manera paulatina se está introduciendo, es el concepto de “Fabricación urbana” que sustituye el modelo de externalización de la fabricación imperante en los últimos 30 años de la era global. Este nuevo modelo se ve impulsado por la tecnología digital, la cooperación en comunidades creativas abiertas, las ciudades como núcleos de clusterización y la necesidad de personalización y circularidad de nuevos productos fabricados de manera próxima.

Tres ejemplos que ilustran el advenimiento de este modelo son la Urban Manufacturing Alliance, la FabLab Network y el Movimiento Maker, todas ellas en la dirección de posibilitar varios cambios sustanciales en el proceso de fabricación: el conocimiento abierto, el codiseño, el reciclaje y la trazabilidad.

En Barcelona, por ejemplo, se han puesto en marcha los Ateneos de Fabricación que son un servicio público que divulga la tecnología y la ciencia de la fabricación digital. Son lugares para aprender, colaborar en diferentes proyectos y formar parte del desarrollo social de la ciudad. Todo el mundo puede disfrutar de espacios, herramientas y recursos públicos, y proponer proyectos que mejoren el entorno más próximo.

¿ Como funciona un ateneo de creación?

La Red de Ateneos de Fabricación está formada por los distintos ateneos de la ciudad y ofrece los espacios de referencia de Barcelona en divulgación, formación y creación vinculadas a las tecnologías de fabricación digital. Está siempre al servicio de la ciudadanía, de la comunidad educativa y del mundo empresarial, asociativo y comunitario.

Los ateneos mantienen un programa de innovación social trabaja para acercar cada ateneo de fabricación a su entorno local, y hacer aflorar el talento oculto que hay en el territorio, entre los vecinos, las vecinas y las entidades. Lo hace mediante las demandas específicas de los diferentes colectivos en formato de “retos de innovación social”, ofreciendo los recursos y las máquinas de que dispone el ateneo de fabricación para solucionar las diferentes necesidades del territorio, y así mejorar la calidad de vida de los vecinos y las vecinas y la cohesión social.

El programa promueve dinámicas de innovación ciudadana aplicadas a retos concretos, que se abordan en grupos de diferentes edades, sexos, procedencias, formación y profesiones, y en el que se trabaja con metodologías ágiles y muy creativas. Es con estas metodologías como, sumando los talentos y esfuerzos de todas las personas y cooperando juntos al servicio del bien común, se aprovecha al máximo los conocimientos y las capacidades de cada uno.

Por lo tanto, si tienes una idea innovadora que comporte retorno social, puedes hacer llegar la propuesta a través del responsable de la ateneo de fabricación más cercano . Si el proyecto es interesante y viable, te ayudan a encontrar las herramientas y los recursos necesarios para que tu proyecto pueda salir adelante y se pueda prototipar una solución a un problema real.

También desarrollan un programa pedagógico y para llevarlo a la práctica, se facilitan herramientas, recursos e instrumentos al profesorado y alumnado para que puedan incorporar en su imaginario las nuevas tecnologías y la fabricación digital como una pieza más en el desarrollo de proyectos digitales diseñados en el entorno del aula.

Este programa, que tiene una especial incidencia en la perspectiva de género y el fomento de las vocaciones científicas y tecnológicas de los y las más jóvenes, propone acciones educativas que fomenten la reflexión, la creatividad, la experimentación y el aprendizaje conjunto mediante el desarrollo de proyectos interdisciplinarios, y ofrecen al profesorado y alumnado la oportunidad de andar de la idea al objeto, aplicando contenidos curriculares de las diferentes áreas y competencias personal.

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Innovar en un festival de pequeñas historias.

creabinars.org invita al Festival Internacional de Cortometrajes de Elx a hablar de innovación, transformación digital y futuro de la industria audiovisual.

En Creabinars, hemos invitado al séptimo arte, concretamente a un festival de cine que se ha caracterizado por ser una ventana abierta para el cortometraje, un formato de iniciación para la mayoría de jóvenes cineastas, en el que prolifera la creación autodidacta, y donde gracias a la tecnología se ha ejercido un constante renacer de lenguajes, géneros e historias.

Uno de los problemas a los que se enfrentan los cortometrajistas es la ausencia de un mercado definido para estas obras. Son aún pocos los circuitos de exhibición comercial de cortometrajes, es por esto que, los concursos y festivales de este género son uno de sus soportes más queridos y necesarios para llegar al público.

En este monento, Internet está suponiendo cada vez más una plataforma de difusión del cortometraje. De hecho, el cortometraje se ha convertido en uno de los formatos que mejor se adapta a Internet, Por otra parte, el desarrollo vivido por el cortometraje con la aparición de las nuevas tecnologías ha servido para que guionistas, directores, actores y productores de este tipo de obras hayan posicionado sus cortos como un género independiente del largometraje y lo hayan desvinculado de la idea de que estas obras son un rito necesario hacia las películas de larga duración.

En esta conversación hablaremos con Josep María Pallarés, uno de los responsables del Festival Internacional de Cine Independiente de Elche, organizado por la Fundación  Mediterráneo,  Festival que tiene como objetivo principal ofrecer un espacio cultural a realizadores y aficionados al cine, que da muestra de una evolución y vitalidad extraordinaria.

Este evento anual, que supone un compromiso constante por  el  respaldo a los valores emergentes del séptimo arte, ha hecho un  esfuerzo por apostar por la innovación, la conversación del público con los autores y la eliminación de barreras tecnológicas a la hora de concursar y votar, por lo que como hub creativo digital, queremos presentarlo como ejemplo de gestión cultural  transformadora. 

Como dato significativo: en 2019, el FICIE contó con una participación de 5.327 cortometrajes procedentes de 120 países sumando cerca de 1.400 minutos de proyecciones en la Sección Oficial. Cifras que muestran la madurez de este , convirtiéndolo en uno de los más relevantes también en su segmento en la escena internacional. Esta alta participación  responde a la fácil accesibilidad de la convocatoria del FICIE, tanto por su gratuidad (sin cuota de inscripción, manteniendo la esencia con la cual se creó) como por su amplio abanico de categorías.

Buena muestra también lo acredita la colaboración que el Festival va ampliando con el sector universitario y las escuelas de cine, así como las temáticas que cada edición van sucediendo en clave de hilo conductor, profundizando en aspectos profesionales del cine como lo fue la ed. de 2019 en la que el lema gravitó entorno a los oficios del cine.

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El arte en la era de las máquinas inteligentes -II

Refik Anadol habla de su relación como creador con las máquinas inteligentes

Creabinars presenta a Refik Anadol artista y tecnólogo, quien se define como pintor y escultor de los datos.

En este segundo capítulo de El arte en la era de las máquinas inteligentes que dedica Creabinars a las consecuencias estéticas y filosóficas del uso de la IA en el arte, invitamos a Refik Anadol, a reflexionar sobre lo que las máquinas pueden hacer sobre la memoria de cada uno de nosotros y de la humanidad entera.

Refik Anadol es un artista y director de medios nacido en Estambul, Turquía, en 1985. Actualmente vive y trabaja en Los Ángeles, California. Es profesor e investigador visitante en el Departamento de Diseño de Artes Mediáticas de la UCLA.

Anadol, trabaja en los campos del arte público, creando site specfics usando de la escultura de datos paramétricos y la actuación audiovisual en vivo para conseguir instalaciones inmersivas, en particular sus obras exploran el espacio entre las entidades digitales y físicas creando una relación híbrida entre la arquitectura y las artes mediáticas con la inteligencia de las máquinas.

En la obra de Anadol se da respuesta a una dualidad característica expresada por el filósofo John Dewey de esta forma “La ciencia expone significados; el arte los expresa”.

Cada obra indaga en esta cuestión de fondo sobre la base de los impactantes experimentos del artista gracias a las herramientas de tecnología avanzada facilitadas por el Laboratorio Neuroscape de la Universidad de California, San Francisco. Neuroscape es un centro de neurociencia dedicado a la creación tecnológica y la investigación científica de las funciones cerebrales, en pacientes sanos y con discapacidades.

Anadol recoge datos de los mecanismos neurológicos de control cognitivo a partir de un EEG (electroencefalograma) que mide los cambios según la actividad de ondas cerebrales, y ofrece pruebas de cómo funciona el cerebro con el tiempo. Estos datos constituyen los bloques de construcción de los distintos algoritmos que el artista necesita para mostrar las estructuras visuales multidimensionales.

Las instalaciones de Anadol no solo abordan un productivo maridaje de tecnología punta y arte, sino también una profunda preocupación por el estudio de la memoria humana, desde el antiguo Egipto hasta Blade Runner 2049.

Melting Memories, Refik Anadol

En el caso concreto , Melting Memories (Memorias que se funden), hace referencia a la experiencia del artista con interconexiones imprevistas entre varias obras  filosóficas fundamentales, investigaciones académicas y obras de arte que tienen la memoria como tema principal. El título también alude a la fusión entre neurociencia y tecnología en debates  filosóficos que vienen desarrollándose desde hace siglos, cuestionando el surgimiento de un nuevo espacio en el que la inteligencia artificial no está reñida con la individualidad y la intimidad.

Como artista de los medios de comunicación, diseñador y pensador espacial, Refik Anadol está intrigado por las formas en que la transformación del tema de la cultura contemporánea requiere repensar la nueva estética, técnica y percepción dinámica del espacio. Anadol construye sus obras sobre la reacción e interacciones del sujeto nómada con orientaciones espaciales no convencionales con datos e inteligencia de máquinas. Al integrar las artes mediáticas en la arquitectura, cuestiona la posibilidad de un futuro arquitectónico post-digital en el que no haya más realidades no digitales. Invita a los espectadores a visualizar realidades alternativas presentándoles la posibilidad de redefinir las funcionalidades de las formaciones arquitectónicas tanto interiores como exteriores. El trabajo de Anadol sugiere que todos los espacios y fachadas tienen potencial para ser utilizados como lienzos de los artistas de los medios.

Privilegiando la diferencia en lugar de la singularidad y el movimiento en lugar de la inmovilidad, Anadol se enfrenta a todos los nuevos desafíos que el desarrollo gradual de un entorno de inmersión enriquecido y la computación ubicua imponen a los arquitectos, artistas de los medios de comunicación e ingenieros. ¿Cómo está cambiando nuestra experiencia del espacio, ahora que los objetos digitales que van desde los teléfonos inteligentes hasta las pantallas urbanas han colonizado casi nuestra vida cotidiana? ¿Cómo han cambiado las tecnologías de los medios de comunicación nuestras conceptualizaciones del espacio, y cómo ha abrazado la arquitectura estos cambios de conceptualización? Estas son las tres preguntas principales que Anadol aborda no sólo integrando los medios en las formas construidas, sino también traduciendo la lógica de una nueva tecnología de medios en el diseño espacial.

Se le han otorgado premios, residencias y ha servido como conferenciante invitado. Ha recibido varios premios, entre los que se incluyen el premio a la mejor visión de Microsoft Research, el premio alemán de diseño, el premio Moss de arte y arquitectura de la UCLA, el premio del Instituto de Investigación de las Artes de la Universidad de California, los premios de diseño global SEGD y el premio de residencia de artistas de arte e inteligencia mecánica de Google. Sus actuaciones audiovisuales específicas han sido vistas en el Walt Disney Concert Hall (EE.UU.), el Museo Hammer (EE.UU.), la Bienal Internacional de Artes Digitales de Montreal (Canadá), el Festival Ars Electronica (Austria), l’Usine | Genève (Suiza), Arc De Triomf (España), Zollverein | Edificio de la Escuela de Diseño de SANAA (Alemania), Centro de Arte Contemporáneo de Santralistanbul (Turquía), Festival de Visión al Aire Libre de SantaFe Nuevo México (EE.UU.), Bienal de Diseño de Estambul (Turquía), Sydney City Art (Australia), Lichtrouten (Alemania).

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El arte en la era de las máquinas inteligentes- I

Creabinars traduce una de las reflexiones más lúcidas que se han publicado en el mundo, sobre el uso de la inteligencia artificial en el arte, en el que según el autor Blaise Aguera y Arcas, vivimos una época de convergencias: no sólo entre disciplinas, sino entre cerebros y computadoras; entre los científicos que tratan de entender y los tecnólogos que tratan de hacer; y entre la academia y la industria.

¿El hecho de que la IA realice obras artísticas cuestiona nuestro estatuto de humanidad? ¿ Hasta que punto debemos admitir la autonomía de las máquinas para no perder el control de la creatividad? ¿ Seguir explorando con las máquinas ampliará nuestro horizonte creativo o también nuestro horizonte cognitivo, ayudándonos a conocernos mejor como seres humanos? ¿ Nos convertiremos en cyborgs o en cierto modo siempre lo hemos sido gracias a cada una de las tecnologías que hemos empleado a lo largo de la historia? Para responder a estas cuestiones Creabinars.org ha traducido al español un clarividente texto de Blaise Aguera y Arcas en el que reflexiona extensamente sobre el uso de la IA y sus alcances

Por Blaise Agüera y Arcas

Blaise dirige Cerebra, una organización de investigación de Google que trabaja tanto en investigación básica como en nuevos productos. Entre las contribuciones públicas del equipo se encuentran MobileNets, Federated Learning, Coral, y muchas características de la IA de Android y Pixel; también fundaron el programa Artists and Machine Intelligence.

El arte en la era de las máquinas inteligentes

El arte siempre ha existido en una relación compleja, simbiótica y en continua evolución con las capacidades tecnológicas de una cultura. Esas capacidades limitan el arte que se produce, e informan la forma en que el arte es percibido y comprendido por su público.


Al igual que en su día, la invención de los pigmentos aplicados, la imprenta, la fotografía y las computadoras, creemos que la inteligencia artificial es una innovación que afectará profundamente al arte. Del mismo modo que estas innovaciones anteriores, en última instancia transformará la sociedad de maneras que son difíciles de imaginar desde el punto de vista actual; a corto plazo, ampliará nuestra comprensión tanto de la realidad externa como de nuestros procesos perceptivos y cognitivos.


Como con las tecnologías anteriores, algunos artistas adoptarán la inteligencia artificial como un nuevo medio o un aliado, mientras que otros seguirán utilizando los medios y modos de producción actuales.

En el futuro, incluso el acto de rechazarla puede ser una declaración consciente, al igual que la pintura fotorrealista es una declaración hoy en día. Cualquier gesto artístico hacia la inteligencia de la máquina – ya sea negativo, positivo, ambos o ninguno – parece más probable que resista la prueba del tiempo si está históricamente fundamentado y técnicamente bien informado.

Dauerrotipo americano de 1839 de Robert Cornellius, el primer selfie de la historia.

Walter Benjamin ilustró este punto de manera mordaz en su ensayo de 1931, Pequeña historia de la fotografía, citando una crítica de 1839 a la recién anunciada tecnología francesa del daguerrotipo en el Leipziger Stadtanzeiger (un “trapo chovinista”):


“Intentar capturar imágenes fugaces en el espejo”, decía, “no es sólo una empresa imposible, como se ha establecido tras una exhaustiva investigación alemana; el propio deseo de hacer tal cosa es blasfemo. El hombre está hecho a imagen de Dios, y la imagen de Dios no puede ser capturada por ninguna máquina de diseño humano. Lo máximo que el artista puede aventurar, llevado en las alas de la inspiración divina, es reproducir los rasgos dados por Dios al hombre sin la ayuda de ninguna máquina, en el momento de mayor dedicación, en la puja más alta de su genio.”


Este sentido de afrenta por el impacto de la tecnología en lo que se había considerado una facultad humana definitoria tiene paralelos obvios con gran parte de los comentarios actuales sobre la inteligencia de las máquinas. Es un recordatorio de que lo que Rosi Braidotti ha llamado “pánico moral por la interrupción de creencias centenarias sobre la ‘naturaleza’ humana” no es nada nuevo.

Benjamin continúa comentando:

Aquí tenemos la noción filistea de “arte” en toda su desmesurada obturación, ajena a toda consideración técnica, que siente que su fin se acerca con la alarmante aparición de la nueva tecnología. Sin embargo, fue este concepto fetichista y fundamentalmente antitecnológico del arte con el que los teóricos de la fotografía trataron de lidiar durante casi cien años, naturalmente sin el menor éxito.


Mientras estos “teóricos” permanecían atascados en su pensamiento, los practicantes no se quedaban quietos. Muchos profesionales que se habían ganado la vida pintando retratos en miniatura realizaron un cambio muy exitoso hacia la fotografía de estudio; y con los que aunaron el dominio técnico y un buen ojo, nació la fotografía artística, que en los decenios siguientes desplegó una gama de posibilidades artísticas latentes en la nueva tecnología que había sido inaccesible para los pintores: micro, macro y telefotografía, momentos congelados de gesto y microexpresión, cámara lenta, lapso de tiempo, negativos y otras manipulaciones de la película, y así sucesivamente.


Los artistas que se pegaron a sus pinceles también comenzaron a darse cuenta de nuevas posibilidades en su trabajo, posiblemente como respuesta directa a la fotografía. David Hockney interpreta el cubismo desde esta perspectiva:


… el cubismo era sobre el mundo real. Fue un intento de reclamar un territorio para la figuración, para la representación. Frente a la afirmación de que la fotografía había hecho obsoleta la pintura figurativa, los cubistas realizaron una exquisita crítica de la fotografía; mostraron que había ciertos aspectos de la mirada – básicamente la realidad humana de la percepción – que la fotografía no podía transmitir, y que todavía se necesitaba la mano y el ojo del pintor para transmitirlos.


Por supuesto, la relación actual entre la pintura y la fotografía no es de ninguna manera mutuamente excluyente; contraponer la idea del abrazo al por mayor por un lado versus la crítica por el otro es inadecuado. Una obra como los “carpinteros” de Hockney, por ejemplo, exploró las ricas posibilidades artísticas en la combinación de la fotografía con “la mano y el ojo de un pintor” a través del collage en la década de 1980, y sus más recientes piezas de vídeo de Woldgate Woods hacen algo similar con el montaje.

Hockney también fue responsable, en su colaboración de 2001 con el físico Charles Falco, de reavivar el interés por el papel que los instrumentos ópticos – espejos, lentes, y tal vez algo como una cámara lucida – desempeñaron en la repentina aparición del realismo visual en el arte del Renacimiento temprano.

Detalle reconstruido digitalmente y vista general de ” Los Embajadores” de Holbein.

Ha estado claro durante mucho tiempo que efectos visuales como el cráneo anamórfico en la parte inferior de la pintura de Hans Holbein de 1553, Los Embajadores, no podrían haberse realizado sin ingeniosos trucos ópticos que implican el uso de espejos o lentes. Si algo como el proceso fotoquímico de Daguerre-Niépce hubiera existido en su tiempo, parece probable que artistas como van Eyck y Holbein hubieran experimentado con él, ya sea en combinación, o incluso en lugar de la pintura.

Por consiguiente, los antiguos maestros europeos fetichizados por el Leipziger Stadtanzeiger no reproducían “los rasgos que Dios le dio al hombre sin la ayuda de ninguna máquina”, sino que de hecho utilizaban el estado de la técnica. Estaban jugando con las mismas nuevas tecnologías ópticas que permitieron a Galileo descubrir las lunas de Júpiter, y a van Leeuwenhoek hacer las primeras observaciones de microorganismos.


Entender el ingenio de los artistas del Renacimiento como usuarios y desarrolladores de tecnología sólo debería aumentar nuestra consideración por ellos y nuestra apreciación de su trabajo. No debería sorprendernos, ya que en su época no eran “Viejos Maestros” canonizados en las alas históricas de los museos de arte nacionales, sino innovadores intelectuales y culturales.

Imaginar que la óptica constituye de alguna manera un “engaño” en la pintura del Renacimiento es tanto un fracaso de la imaginación como la aplicación de un sistema de valores históricamente inapropiado. Sin embargo, incluso hoy en día, algunos comentaristas y teóricos, que por lo general no son artistas en activo, siguen aferrados a lo que Benjamin denominó “la noción filistea de ‘arte'”, como se señala en un artículo publicado en The Observer en 2000 en respuesta a la tesis de Hockney-Falco:


¿Es [el uso de la óptica] tan cualitativamente diferente del uso de rejillas, plomadas y maulsticks? Sí – para aquellos que consideran a estos pintores como un panteón de semidioses misteriosos, más que los hombres si no menos que los ángeles, todo lo que huele a ayuda técnica es una blasfemia. Es como dar explicaciones científicas de los milagros de los santos.


Hay una ironía punzante aquí. La investigación científica nos ha revelado, paso a paso, un universo mucho más vasto y complejo que las mitologías de nuestros antepasados, mientras que el desarrollo paralelo de la tecnología ha ampliado nuestro potencial creativo para permitirnos hacer obras (ya sea que las llamemos “arte”, “diseño”, “tecnología”, “entretenimiento”, o algo más) que de hecho parecerían milagrosas a una generación anterior. Cuando nos encontramos con la palabra “blasfemia”, a menudo podemos leer “progreso”, y podemos esperar milagros a la vuelta de la esquina.


Uno quisiera creer que, después de haber sido desacreditado tantas veces y durante tantos siglos, el “concepto antitecnológico del arte”, éste quedaría relegado a un marco fundamentalista. Sin embargo, si la historia tiene algo que enseñarnos a este respecto, es que este debate en particular siempre está listo para resurgir. Tal vez esto se deba a que incide, conscientemente o no, en cuestiones mucho más amplias como la identidad, la condición y la autoridad humana.

Frente a un nuevo desarrollo técnico en el arte es más fácil para nosotros mover tranquilamente las porterías después de un período de indignación, volviendo a inscribir lo que significa que algo se llame arte, lo que cuenta como habilidad o creatividad, lo que es natural y lo que es artificio, y lo que significa para nosotros ser privilegiados como humanos únicos, todo mientras mantenemos fijo nuestro sistema de valores categóricos – y nuestra separación humana de la tecnología.

Un pensamiento más radical que cuestiona las categorías y los propios sistemas de valores proviene de escritores como Donna Haraway y Joanna Zylinska. Haraway, originalmente una primatóloga, ha hecho mucho para desdibujar la frontera conceptual entre los humanos y otros animales ; la misma línea de pensamiento la llevó a cuestionar el excepcionalismo humano con respecto a las máquinas y los híbridos humano-máquina.

Esto puede parecer filosofía especulativa que es mejor dejar a la ciencia ficción, pero en muchos aspectos ya se aplica. Zylinska, en su colección editada en 2002, Los experimentos del ciborg: The Extensions of the Body in the Media Age, entrevistó al artista australiano Stelarc, cuyas opiniones sobre la relación entre la humanidad y la tecnología establecen un marco de referencia útil:


El cuerpo siempre ha sido un cuerpo protésico. Desde que evolucionamos como homínidos y desarrollamos la locomoción bípeda, dos miembros se convirtieron en manipuladores. Nos hemos convertido en criaturas que construyen herramientas, artefactos y máquinas. Siempre hemos sido aumentados por nuestros instrumentos, nuestras tecnologías. La tecnología es lo que construye nuestra humanidad; la trayectoria de la tecnología es lo que ha impulsado los desarrollos humanos. Nunca he visto el cuerpo como puramente biológico, por lo que considerar la tecnología como una especie de otro alienígena que nos sucede al final del milenio es bastante simplista.

Como Zylinska y su coautora Sarah Kember elaboran en su libro “La vida después de los nuevos medios”, no se debe concluir que todo vale, que la dirección de nuestro desarrollo está predeterminada, o que la tecnología es de alguna manera inherentemente utópica. Muchos de los que trabajamos activamente en la inteligencia mecánica somos, por ejemplo, co-signatarios de una carta abierta que pide la prohibición mundial de los sistemas de armas autónomos basados en la inteligencia artificial, que plantean peligros muy reales.

Sherry Turkle ha escrito de forma convincente sobre los fallos más sutiles, pero a su manera igualmente inquietantes, de empatía, autocontrol y comunicación que pueden surgir cuando proyectamos la emoción en máquinas que no tienen ninguna, o utilizamos nuestra tecnología para mediar en nuestras relaciones interpersonales excluyendo el contacto humano directo.

Está claro que, como individuos y como sociedad, no siempre tomamos buenas decisiones; hasta ahora nos hemos desorientado, con muchos pasos en falso (esperemos que sigan siendo instructivos, y hasta ahora sobrevivientes) a lo largo del camino. Sin embargo, Zylinska y Kember señalan:


Si aceptamos que siempre hemos sido cyborgs […] será más fácil para nosotros dejar atrás las narrativas paranoicas […] que ven la tecnología como una otra externa que amenaza a los humanos y que necesita ser detenida a toda costa antes de que una nueva especie mutante – de replicantes, robots, alienígenas – emerja para competir con los humanos y eventualmente ganar la batalla.Vernos como siempre ya conectados, como parte del sistema – más que como amos del universo al que todos los seres son inferiores – es un paso importante para desarrollar una relación más crítica y responsable con el mundo, con lo que llamamos “hombre”, “naturaleza” y “tecnología”.


Tal vez no sea sorprendente que estas perspectivas hayan sido exploradas a menudo por filósofas feministas, mientras que los replicantes y “terminators” provienen de los universos decididamente más masculinos (y especulativos) de Philip K. Dick, Ridley Scott y James Cameron.

En el nivel más banal, las narrativas masculinas tienden a hacer hincapié en la jerarquía, la competencia y la dominación del ganador, mientras que estas narrativas feministas tienden a señalar la suma colaborativa, interconectada y no nula; de manera más reveladora, señalan que ya estamos muy lejos y somos parte del futuro de los ciborgs, profundamente enredados con la tecnología en todos los sentidos, no inocentes orgánicos sujetos a un ataque tecnológico desde el exterior en alguna fecha futura.


Este punto de vista nos invita a repensar el arte como algo generado por (y consumido por) seres híbridos; las tecnologías implicadas en la producción artística no son tanto “otras” como “parte de”. Como dijo el filósofo de los medios de comunicación Vilém Flusser:

“las herramientas […] son extensiones de los órganos humanos: dientes extendidos, dedos, manos, brazos, piernas”. Las herramientas preindustriales, como los pinceles o los picos, extienden la biomecánica del cuerpo humano, mientras que las máquinas más sofisticadas se extienden de forma protésica a los ámbitos de la información y el pensamiento. Por lo tanto, “Todos los aparatos (no sólo las computadoras) son […] ‘inteligencias artificiales’, la cámara incluida […]”.


Que la cámara se extiende y se modela según el ojo es evidente. ¿Esto hace del ojo una herramienta, o de la cámara un órgano – y es la distinción significativa? La caracterización de Flusser de la cámara como una forma de inteligencia podría haber levantado las cejas en el siglo XX, ya que, rodeados de cámaras, muchas personas hace tiempo que han reinscrito los límites de la inteligencia a los del cerebro – tal vez, como hemos visto, con el fin de salvaguardar la categoría de lo singularmente humano.

Llamar al cerebro la única sede de la inteligencia, y al ojo, por lo tanto, un mero periférico, es una estrategia errónea, sin embargo. No somos cerebros metidos en cubas biológicas. Incluso si adoptamos una actitud neurocéntrica, los neurocientíficos modernos suelen referirse a la retina como un “puesto avanzado del cerebro” [12], ya que está compuesta en gran parte por neuronas y realiza una gran cantidad de procesamiento de información antes de enviar señales visuales codificadas a lo largo del nervio óptico.


Sea como fuere, para las cámaras actuales, esto ya no es una metáfora. La cámara de nuestro teléfono funciona con un software, que contiene como mínimo millones de líneas de código. Gran parte de este código realiza funciones de apoyo periféricas a la imagen real, pero parte de él hace explícita la suma no lineal de los fotones en componentes de color que solían ser computados físicamente por la emulsión de la película.

Otros códigos hacen cosas como eliminar el ruido en áreas casi constantes, afinar los bordes y rellenar los píxeles defectuosos con un color circundante aceptable, no muy diferente de la forma en que nuestras retinas actúan sobre los vasos sanguíneos en la parte posterior del ojo, ya que de otra forma estropearían nuestro campo visual. Las imágenes que vemos sólo pueden ser “bellas” o “de aspecto real” porque han sido fuertemente procesadas, ya sea por maquinaria neuronal o por código (y en su caso, ambos), operando por debajo de nuestro umbral de conciencia.

En el caso del software, este procesamiento se basa en normas y juicios estéticos por parte de los ingenieros de software, por lo que también son colaboradores no reconocidos en la creación de imágenes. No existe una imagen natural; quizás, también, no hay nada especialmente artificial en la cámara.

La flexibilidad del código nos permite hacer cámaras que hacen mucho más que producir imágenes que pueden pasar por naturales. Investigadores como los del grupo de cultura de la cámara del Laboratorio de Medios del MIT han desarrollado cámaras no tradicionales habilitadas por software (muchas de las cuales todavía utilizan hardware ordinario) que pueden sentir la profundidad, ver alrededor de las esquinas, o ver a través de la piel; Abe Davis y sus colaboradores han desarrollado incluso una cámara computacional que puede “ver” el sonido, mediante la decodificación de las diminutas vibraciones de las hojas de las plantas de interior y las bolsas de patatas fritas. Así que, Flusser tenía quizás más razón de lo que pensaba al afirmar que las cámaras siguen programas, y que su software se ha convertido progresivamente en más importante que su hardware. Las cámaras son “máquinas pensantes”.

De ello se deduce que cuando un fotógrafo trabaja hoy en día, lo hace como un artista híbrido, pensando, manipulando y codificando información con las neuronas tanto del cerebro como de la retina, trabajando con músculos, motores, transistores y millones de líneas de código. Los fotógrafos son cyborgs.


¿Qué nuevos tipos de arte se hacen posibles cuando empezamos a jugar con tecnología análoga no sólo al ojo, sino también al cerebro?

Esta es la pregunta que lanzó el programa Artistas e Inteligencia Artificial. El momento no es accidental. En los últimos años, los enfoques de la inteligencia mecánica basados en la aproximación a la arquitectura del cerebro han empezado a dar resultados prácticos impresionantes – esta es la explosión del llamado “aprendizaje profundo” o, más exactamente, el renacimiento de las redes neuronales artificiales.

En el verano de 2015, también empezamos a ver algunos experimentos sorprendentes que insinúan las posibilidades creativas y artísticas latentes en estos modelos.


Entender el linaje de este cuerpo de trabajo implicará volver a los orígenes de la computación, la neurociencia, el aprendizaje de las máquinas y la inteligencia artificial. Por ahora, presentaremos brevemente las dos tecnologías específicas utilizadas en nuestro primer evento de galería, Deep Dream (en asociación con la Gray Area Foundation for the Arts de San Francisco). Se trata del “Inceptionismo” o “Sueño Profundo”, desarrollado por primera vez por Alex Mordvintsev en la oficina de Google en Zurich, y la “Style transfer”, desarrollada por primera vez por Leon Gatys y colaboradores en el Laboratorio Bethge del Centro de Neurociencia Integrativa de Tubinga.

Es apropiado pensar y probablemente significativo de lo que está por llegar, que uno de estos desarrollos haya venido de un científico informático que trabaja en un algoritmo inspirado en las neuronas para la clasificación de imágenes, mientras que el otro vino de un estudiante de postgrado en neurociencia que trabaja en modelos computacionales del cerebro.

Estamos siendo testigos de una época de convergencias: no sólo entre disciplinas, sino entre cerebros y computadoras; entre los científicos que tratan de entender y los tecnólogos que tratan de hacer; y entre la academia y la industria. No creemos que la convergencia dé lugar a un monocultivo, sino a una vibrante hibridación.

Se trata de las primeras incursiones, el arte realizable con la generación actual de la inteligencia artificial podría ser cercano a una especie de daguerrotipo neuronal. Las posibilidades artísticas más variadas y de mayor orden surgirán no sólo a través de un mayor desarrollo de la tecnología, sino a través de colaboraciones a largo plazo que involucren a un mayor rango de artistas e intenciones.

Esta primera muestra en el Área Gris es de pequeña escala y estrecho alcance; se mantiene cerca de los primeros procesos de creación de imágenes que inspiraron a AMI. Creemos que la magia de las piezas es algo parecido al autorretrato provisional de Robert Cornelius en 1839.


A medida que la inteligencia artificial se desarrolla, imaginamos que algunos artistas que trabajan con ella harán la misma crítica que los primeros fotógrafos. Un crítico sutil podría acusarlos de “hacer trampa”, o afirmar que el arte producido con estas tecnologías no es “arte real”. Un crítico más sutil (pero todavía antitecnológico) podría descartar el arte de la inteligencia mecánica al por mayor como kitsch. Como ocurre con el arte en cualquier medio, algunos de ellos serán indudablemente kitsch – ya hemos visto ejemplos – pero otros serán hermosos, provocativos, aterradores, fascinantes, inquietantes, reveladores, y todo lo demás que el buen arte puede ser.


Se harán descubrimientos. Si los ciclos anteriores de la nueva tecnología en el arte son una guía, entonces las primeras obras tienen una probabilidad relativamente alta de perdurar y ser significativas en retrospectiva, ya que por definición están explorando un nuevo terreno, no recurriendo a lo familiar. Experimentar sistemáticamente con lo que los sistemas de tipo neuronal pueden generar nos da una nueva herramienta para investigar la naturaleza, la cultura, las ideas, la percepción y el funcionamiento de nuestras propias mentes.


Nuestro interés en explorar las posibilidades de la inteligencia de las máquinas en el arte, podría justificarse fácilmente sólo por estos motivos. Pero creemos que lo que está en juego es mucho más importante, por varias razones. Una es que la inteligencia artificial es una tecnología tan profundamente transformadora que se trata de crear la materia misma del pensamiento y la mente.

Las cuestiones de autenticidad, reproducibilidad, legitimidad, propósito e identidad que Walter Benjamin, Vilém Flusser, Donna Haraway y otros han planteado en el contexto de tecnologías anteriores pasan de lo metafórico a lo literal; se vuelven cada vez más consecuentes. En la era en que tantos de nosotros nos hemos convertido en “trabajadores de la información” (como yo, al escribir este artículo), las cuestiones planteadas por el IM no son mera “teoría” para ser ensayadas sin cesar por los críticos y periodistas. Necesitamos tomar decisiones, personal y socialmente.

Es necesario cerrar un circuito de retroalimentación en lugares como Google, donde nuestro trabajo como ingenieros e investigadores tendrá un efecto real en la forma en que se desarrolla y se despliega la tecnología.

Esto requiere que nos trabajemos rigurosamente y con imaginación a través de las disciplinas. El trabajo no puede ser realizado por humanistas tecnofóbicos, como tampoco puede ser realizado por tecnólogos inhumanos.

Afortunadamente, no somos ninguno de los dos. Ambas categorías son estereotipos, aunque ocasionalmente autocumplidos, perpetuados por una narrativa cultural inútil: los filisteos de nuevo, afirmando que los artistas son elfos, y los técnicos enanos, cuando por supuesto la realidad es que todos somos (al menos) humanos.

Hoy en día no hay escasez de artistas e intelectuales que, como Alberti, Holbein o Hockney, están deseosos de trabajar e influir en el desarrollo de las nuevas tecnologías. Tampoco hay escasez de ingenieros y científicos que son reflexivos y deseosos de trabajar con artistas y otros humanistas. Y, por supuesto, el binario es falso; hay personas que son simultáneamente artistas y científicos o ingenieros serios. Tenemos la suerte de tener varios de estos entre nuestro grupo de colaboradores.

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Nuevo podcast/ entrevista: ¿gestionar redes? construir el cambio.

Gestionar redes

¿Qué es una red? ¿ Cómo se gestiona una red? ¿ Cómo funcionan las redes en las industrias creativas? ¿ Cómo influye la estructura en red en la configuración de las organizaciones?

Escucha este podcast sobre el contexto de las redes y su influencia en nuestra sociedad actual y la entrevista con Cristian Figueroa, Fundador de Tejeredes.net, quien nos habla de mejorar conversaciones para trabajar en red.

Por Xavier Ferrer i Serra, Director de Creabinars.org

https://www.linkedin.com/in/xavier-ferrer-i-serra-859951187/

Xavier Ferrer, Director De Creabinars.org

¿ Qué es una red? ¿ Cómo funciona? ¿Cómo influye en nuestro modo de vida actual? Para profundizar en este tema en este podcast hablaremos de las redes, de su influencia en nuestra sociedad contemporánea y de las industrias creativas y culturales, industrias que  empiezan a trabajar en red y que ven en las redes un nuevo modo de escalar un modelo de negocio global. También entrevistaré a Cristian Figueroa, Fundador de TejeRedes.net una consultora especializada en gestión de redes quien nos hablará de su visión y metodología del trabajo en red.

Las redes son las venas de nuestro cuerpo social, las vías por las que circula la información , el ser, el pensar y el hacer, en nuestro tiempo. Escucha este podcast sobre el contexto de las redes y su influencia en nuestra sociedad actual y la entrevista con cristian figueroa llambias , Fundador de Tejeredes.net, quien nos habla de cómo mejorar las conversaciones para trabajar en red.

Ten en cuenta que aprender a gestionar redes es decisivo en la construcción de nuestras organizaciones y que nuestras contemporáneas redes de información y conocimiento, frente al modelo industrial anterior, tienen enormes ventajas: fomentan las conexiones y encuentros entre los actores y productores, difunden modelos de éxito con facilidad y son dinámicas ya que acogen las innovaciones de manera inmediata tal y como surgen, alimentando creaciones inéditas. Por eso te invitamos desde Creabinars.org a conocer modelos gestores.

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¿Cómo será el mundo laboral que dibujan las industrias creativas digitales?

La nueva visión de las industrias creativas digitales anticipa el futuro del mundo laboral.

La economía creativa influye en una nueva estructura en las relaciones  y ética laborales, más flexible, dinámica y horizontal.

Por Xavier Ferrer i Serra, Director de Creabinars.org

http://www.linkedin.com/in/xavier-ferrer-i-serra

Las industrias creativas y culturales de base digital son física y metafísica a la vez, engendran productos y construyen símbolos, se consumen como mentefacturas y dibujan la arquitectura  de nuestro ser social.

Deberíamos pensar en estas industrias, especialmente en las miles de pequeñas y microempresas que se sitúan a la vanguardia de la creatividad, como agentes determinantes no sólo por la producción económica innovadora que generan, sino, por que son precursoras de todo un nuevo orden social y económico  con consecuencias en el conjunto entero, afectando de un modo u otro a  la forma en que se organizan los negocios, se estructura la nueva educación  , se mide el valor de los bienes , se articula la vida laboral y se planean las ciudades en las que vivimos.

A diferencia de la mayoría de los recursos en una economía petróleo-dependiente y no circular, que se agotan cuando se usan, estas industrias basadas en la información y el conocimiento crecen exponencialmente cuando son aplicadas y sus efectos se transmiten a todo el ecosistema.

Una nueva ética.

Las consecuencias filosóficas de la práctica de modelos de industrias basados en la idea de comunidad, ha hecho emerger ,  una nueva ética del trabajo que afecta a las relaciones que aplican sus practicantes entre sí, lo que los académicos han denominado “Ética hacker”.  Frente a la ética protestante motivada primeramente por el dinero y por el control de la información, el valor lo otorga ahora  el  deseo de crear algo que la comunidad formada por nuestros iguales considere valioso.

Steven Levy, principios de la ética hacker

“los hackers son personas que se dedican a programar de forma entusiasta y creen que poner en común la información constituye un extraordinario bien, y que además para ellos es un deber de naturaleza ética compartir su competencia y pericia elaborando software gratuito y facilitando el acceso a la información y a los recursos de computación siempre que ello sea posible .     

Diccionario hacker ” Jargon File”

Junto a los ” hackers” , los “makers” son otra de las tribus que han emergido al calor de los cambios tecnológicos,  innovación de abajo a arriba, descentralizada y horizontal, ejercida por una legión de aficionados-emprendedores, que utilizan las técnicas de fabricación digital para fabricar en código abierto.

Como los “hackers”, los “makers” comparten sus invenciones, reciben comentarios y sugerencias  de su comunidad, ayuda en la detección de errores y en la comercialización.

En la actualidad, estos inventores cada vez comparten mas sus innovaciones públicamente sin la protección de una patente,  en modalides que van desde el código abierto hasta las diferentes licencias que bajo el concepto “Creative Commons” se configuran.  La recompensa no viene de la mano de la explotación directa de la invención sino del incremento del “capital social”, una combinación de atención y reputación (el buen nombre) que se puede utilizar en el futuro para favorecer los intereses del inventor.

makers usando técnicas de fabricación 3D para hacer mascarillas, fuente: RTVE

https://www.rtve.es/noticias/20200326/makers-superheroes-3d-contra-coronavirus/2010819.shtml

Lo que está claro es que las técnicas de fabricación digital sirven para automatizar lo que solía requerir una montaña de trabajo humano y unos carísimos equipamientos y herramientas. Ya no se requieren altas inversiones iniciales y se minimizan los errores que conducen a almacenes de existencias invendibles. El fracaso digital puede ser celebrado, pues el coste inicial es relativamente bajo, a diferencia del mundo tradicional de la fabricación donde el fallo implica la ruina.

El Movimiento Maker comparte tres características, todas ellas transformadoras:

1. Gente que usa en casa herramientas digitales para diseñar nuevos productos y hacer de ellos prototipos.

2. Una norma cultural para compartir esos diseños y colaborar con otros en comunidades en línea.

3. Uso de estándares, para permitir que todo el mundo, si lo desea, pueda enviar sus diseños a servicios comerciales de fabricación (como MFG.com o Alibaba.com) para que los produzcan en el número que sea, con la misma facilidad que tienen ellos para fabricarlos en sus ordenadores de sobremesa. Esto acorta radicalmente el camino que va desde la idea al espíritu empresarial, igual que hizo internet con el software, la información y los contenidos.

La Comunidad medida de todas las cosas

Trabajar en comunidad, fuente: Creabinars

De esta nueva morfología de relaciones , además surge un nuevo modelo de organizaciones emergentes: las comunidades. Con diferencias que  son abismales respecto a las viejas estructuras del capitalismo industrial , las empresas están repletas de burocracia vertical, procedimientos y procesos de control permanente. Las comunidades, por su parte, se forman en torno a intereses y necesidades compartidos, y no tienen más procesos que los que ellas mismas requieren.

La comunidad existe para el proyecto, no para apoyar a la empresa en la que reside el proyecto.

El efecto de esta nuevo ecosistema, no se ha hecho esperar y como dice Philip Evans socio principal del Boston Consulting group “Así pues,  comunidades, industrias artesanales, diletantes, equipos auto organizados, aficionados y pluriempleados que han florecido gracias a inmensas plataformas creadas por Google y empresas similares pueden hoy competir contra profesionales de organizaciones tradicionales. La empresa típica se ve, en consecuencia, amenazada”.

Philip Evans, Boston Consulting Group

La empresa típica por consecuencia, siente amenazas por dos frentes, por enjambres de individuos y pequeños grupos con capacidad de innovar, adaptar y experimentar a un coste menor, por otro, por organizaciones que tienen una escala y un nivel de experiencia que las sobrepasan. Es posible que una empresa típica sea a la vez demasiado grande y demasiado pequeña.

Pero por otro lado, el que se refiere a las condiciones laborales, es cierto que las plataformas de trabajo digitales proporcionan nuevas fuentes de ingresos a muchos trabajadores en diferentes partes del mundo, sin embargo la naturaleza dispersa del trabajo a través de las diversas jurisdicciones nacionales ,dificulta la vigilancia del cumplimiento de las normas aplicables las leyes laborales. El trabajo es a veces mal pagado, a menudo por debajo de lo se establece como  salarios mínimos y no existen mecanismos oficiales para abordar ese trato injusto .

Como se espera  que esta forma de trabajo se amplíe en el en el futuro, la OIT recomienda el desarrollo de una gobernanza internacional que establece y requiere plataformas (y sus clientes) a respetar ciertos derechos y protecciones mínimas.


Para saber más:

Himanen P. 2004. La ética del hacker y el espíritu de la era de la información.Destino

Anderson C. 2012. Makers, The new industrial Revolution. Crown Bussiness

Evans P. 2020,  Reinventar la empresa en la era digital. BBVA Open Mind

International Labour Organization.2019. Work for a brighter future.

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Industrias creativas y automatización.

¿ Qué les sucederá a las industrias culturales y creativas ante el impacto de la automatización?

Los sectores creativos digitales serán un nicho de crecimiento de empleo y de oportunidades económicas en el futuro inmediato.

por Xavier Ferrer , Director de Creabinars.org/ Valencia

Xavier Ferrer i Serra

La fuerza de la automatización es avasalladora, las previsiones de su impacto en pérdidas de empleos, transformaciones de modelos empresariales y cambios de paradigmas culturales, producen incertidumbre y muchas preguntas aún sin respuesta.

En nuestro presente, la economía muda en su faz desde una economía de la mercancía hacia una o unas  economías del conocimiento, economías en las que los procesos de generación de riqueza tienden de modo creciente a centrarse en la producción de conocimiento y a su  distribución dentro de las redes, al control y generación de nuevos metadatos.

Todo este conglomerado de  cambios , inevitablemente conlleva impactos, entre los que figura la creciente y preocupante pérdida de millones de puestos de trabajo por la automatización, la aparición de nuevas  fórmulas empresariales bajo la fórmula de plataformas,  el desarrollo de nuevos perfiles profesionales de manera simultánea y la exigencia de nuevos modelos educativos para el futuro inmediato.

Según el Foro Económico Mundial, basándose en datos actuales , se estima que para el año 2025, 85 millones de puestos de trabajo podrían ser desplazados por un cambio en la división del trabajo entre los humanos y las máquinas, mientras que podrían surgir 97 millones de nuevos papeles más adaptados a la nueva división del trabajo entre los humanos, las máquinas y los algoritmos.

La automatización, junto con la recesión de COVID-19, está creando un escenario de “doble perturbación” para los trabajadores. Además de la actual interrupción por los cierres inducidos por la pandemia y la contracción económica, la adopción de tecnología por parte de las empresas transformará las tareas, los empleos y las habilidades para el 2025. El 43 por ciento de las empresas encuestadas por el World  Economic Forum indican que están dispuestas a reducir su fuerza de trabajo debido a la integración de la tecnología, el 41% tiene previsto ampliar el uso de contratistas para trabajos especializados y el 34% tiene previsto ampliar su fuerza de trabajo debido a la integración de la tecnología.

Para 2025, el tiempo dedicado a las tareas actuales en el trabajo por los humanos y las máquinas será igual. Una parte significativa de las empresas también esperan hacer cambios a los lugares, sus cadenas de valor y el tamaño de su fuerza de trabajo debido a factores que van más allá de la tecnología en los próximos cinco años.

Según la OCDE, las actividades de más baja cualificación serán las más propensas a la automatización, mientras que se demanda cada vez más nuevas profesiones relacionadas con las nuevas tecnologías  y la creatividad, lo que conducirá según muchos expertos, a la polarización del mercado laboral y a la irrelevancia económica de muchas personas .

En conexión con lo expresado anteriormente, en nuestras sociedades post-industriales, los sectores creativos, especialmente los de base digital, son considerados esenciales porque no sólo  serán fuente de nuevas profesiones, o porque ofrecen cifras de negocio superiores a la media, sino porque, y  esto si es muy significativo,  son altamente resilientes frente al impacto de la automatización.

Esta circunstancia, viene avalada por un estudio de uno de los think tank más importantes del mundo dedicados a la innovación, Nesta Foundation, institución que concluye  que  las profesiones creativas resultan difícilmente automatizables. En dicho estudio, se aporta un dato muy significativo, ya que más de un 87% de las profesiones creativas podrán subsistir frente al hecho contrastado de una notable eliminación en el resto de profesiones. Respecto al resto de áreas económicas no creativas , la desaparición está  cifrada en un inquietante 49% en los próximos  años, desde 2015 al 2030, según los profesores Osborne y Frey de la Universidad de Oxford.

El profesor Frey explica como impactará la automatización en el mundo del trabajo .

El estudio de Nesta al que nos referimos en el párrafo anterior ,  concluye que “Las máquinas pueden emular con más éxito a los seres humanos cuando un problema se especifica con suficiente antelación, es decir, cuando el rendimiento puede cuantificarse y evaluarse directamente, y cuando el entorno de la tarea laboral es lo suficientemente sencillo como para permitir un control autónomo. No obstante , cuando las tareas sean altamente interpretativas, orientadas a “productos cuya forma final no esté totalmente especificada de antemano”, y cuando los entornos de las tareas de trabajo sean complejos – serán sólo un apoyo, siendo el ser humano difícilmente sustituible, es decir en los sectores creativos”.

¿ Qué habilidades necesitamos para el trabajo del futuro?

Por tanto, con la inteligencia artificial asumiendo las tareas rutinarias,  se abrirá un escenario en el  que sucumbirán  muchos negocios tradicionales, pero que a su vez,  aparecerán inmensas oportunidades para las personas que combinen habilidades creativas y juicio crítico, aptitudes resistentes a la inteligencia artificial .

Una reciente colaboración de Nesta con la Oxford Martin School of Business, señaló además que en el futuro habrá una gran demanda de aptitudes interpersonales, como la colaboración y la coordinación, aptitudes cognitivas de orden superior, incluida la fluidez de ideas y la originalidad; y aptitudes sistémicas, por ejemplo, el juicio y la adopción de decisiones.

La OCDE avisa también de que la brecha en las habilidades demandas continúa siendo alta, ya que las habilidades necesarias para muchas actividades actuales son susceptibles de cambiar en los próximos cinco años. Los principales grupos de habilidades y destrezas que los empleadores consideran que están aumentando en importancia hasta 2025 son aptitudes como el pensamiento crítico y el análisis, así como la resolución de problemas, y habilidades de autogestión como el aprendizaje activo, la resistencia, la tolerancia al estrés y la flexibilidad.

Montserrat Gomendio de la OCDE explica las nuevas habilidades que exige la sociedad digital

“La sociedad digital demanda nuevas competencias como resolución de problemas complejos, pensamiento crítico, trabajo en equipo, creatividad y adaptabilidad”

Montserrat Gomendio
OECD Centre for Skills

En promedio, las empresas estiman que alrededor del 40% de los trabajadores requerirán una re-capacitación de seis meses en los próximos cinco años, según el Foro Económico Mundial.

La creatividad, y su potencial explotación económica, por tanto se configuran como una competencia imprescindible, una ventaja competitiva de las naciones , y un activo a potenciar y desarrollar por los profesionales y empresas.

Ejemplo de este planteamiento estratégico , es  11º Plan Quinquenal de la República Popular de China, que tiene como uno de sus lemas centrales la necesidad de “pasar de hecho en China a diseñado en China” expresión  de que generar propiedad intelectual es más valioso en en la economía del siglo XXI, que producir manufactura.

Las previsiones refrendan esta cuestión y,  por ejemplo en Reino Unido sugieren que las ocupaciones creativas crecerán un 5,3% en los próximos seis años. Esto es el doble del crecimiento de empleo proyectado en toda la economía del Reino Unido y 119.495 empleos creativos adicionales para 2024.[1]

Bajo estas premisas las recomendaciones de los expertos indican que los gobiernos deberían respaldar  una iniciativa educativa en el ámbito de las ICCs, que incluya: una campaña de  promoción de las profesiones creativas para mostrar la riqueza y diversidad de las carreras creativas; oportunidades para aumentar la interacción entre las empresas creativas y los jóvenes; y materiales para que los maestros, los alumnos, los padres y los cuidadores los difundan en las escuelas y los pongan a disposición en línea.

Además de este reforma de la estructura pedagógica, hay que emprender otra que afecta al “cómo” y el  “qué” enseñar, a través de la vía de una formación interdisciplinar y transdisciplinar,   lo que se denomina educación STEAM.


[1] Easton E. 2018. Creativity and the future of job.

https://www.nesta.org.uk/report/creativity-and-the-future-of-work/

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Economía creativa para la era del “Great Reset”.

Economía Creativa para el ” Great Reset”

Es la hora del ” Gran reinicio” , una oportunidad única para repensar nuestra sociedad, cultura y economía, ¿Qué papel juegan las industrias creativas y culturales digitales en esta transformación?

Por Xavier Ferrer i Serra , Director de Creabinars.org

http://www.linkedin.com/in/xavier-ferrer-i-serra

Las industrias creativas y culturales digitales son un núcleo de innovación constante, un laboratorio de ensayo perpetuo, un ecosistema de creación de modelos de negocio y un crisol de nuevos valores éticos.

En esta serie de artículos que hoy iniciamos, analizaré la estrecha relación que existe entre el camino que han iniciado en sus modos de gestión, en sus estructuras organizacionales o en los nuevos sistemas de valores, las industrias culturales y creativas digitales y su impacto en los cambios estructurales que la sociedad ha de acometer en su conjunto.

La tormenta perfecta, el “Great Reset”.

La pandemia de la COVID-19 está dinamitando los sistemas de salud de los países, la capacidad de respuesta económica de los gobiernos y está evidenciado la incapacidad de numerosas organizaciones para hacer frente a los cambios causados por el virus y la generación de una respuesta suficiente.

El nivel de incertidumbre para la mayoría de stakeholders no tiene precedentes, y gran parte de los contextos para la planificación y la resolución de problemas no se revelan útiles como patrones debido a la variabilidad de patrones , la inestabilidad  y la disrupción provocada por la crisis. La cuestión de fondo es que la pandemia probablemente incrementará la pobreza y la desigualdad, muy especialmente en sectores vulnerables como los jóvenes, que han encadenado ciclos de una crisis sistémica desde 2008.

En el mes de agosto de 2020, el FMI anunció un deterioro de las perspectivas económicas y proyectó que el crecimiento mundial se contraería un 4,9% este año. Una noticia algo alentadora es que la actividad económica mundial, que registró un descenso sin precedentes a comienzos de este 2020, ha comenzado a fortalecerse de manera gradual. Se prevé que la recuperación parcial continúe en 2021. No obstante, las medidas excepcionales adoptadas por muchos países, incluidos los del G20 —con medidas fiscales de aproximadamente USD 11 billones e inyecciones masivas de liquidez por parte de los bancos centrales, son solo un pequeño revulsivo.

perspectivas económicas globales del FMI

Sin embargo y ante esta alarmante situación, paradójicamente estamos ante una oportunidad única,  en mitad de una tormenta perfecta, la única opción que nos cabe es la de alterar el rumbo de la nave, reiniciar el sistema, repensar el capitalismo para transformarlo de manera inclusiva, hacerlo responsable ecológicamente y tecnológicamente humanista.

“La pandemia representa una oportunidad inusual para reflexionar, reimaginar y reiniciar nuestro mundo y forjar un futuro más sano, más equitativo y más próspero.”.

Klaus Schwab, Fundador y Presidente Ejecutivo del Foro Económico Mundial

En esta encrucijada en la que la humanidad se sitúa, el pasado 14 de julio 2020, Klaus Schwab junto a Thierry Malleret, presentaron un libro que contiene una enmienda a la totalidad de nuestro sistema,  COVID-19 The Great Reset.

En dicha presentación, afirmaron que nuestro sistema necesita un “Gran reinicio”, en el que destacarán factores tales como:

1º nuevas estrategias tecnológicas y humanistas para gestionar la situación dentro del contexto de la cuarta revolución industrial,  frente a la política y gestión tradicionales  que no son suficientes.

2º Un aumento de la demanda de sanidad, con un replanteamiento de los recursos materiales y humanos que se le dedican

3º Políticas para conseguir una economía más inclusiva.

4º Acciones para reducir la desigualdad en muchas franjas de la sociedad.

5º Producción sostenible, respeto al medio ambiente e Importancia de las políticas ESG (Environment, Social y Governance) en las empresas.

Dentro de ese contexto de reinicio global , las  preguntas se suceden de manera inexorable   ¿ Cuál es el papel de las industrias culturales y creativas digitales? ¿ En qué pueden ser útiles? ¿Cómo pueden ayudar en el proceso de transformación social y económica?

Collective intelligence framework / WEF

Las industrias creativas y culturales digitales , implican la fusión de nuevas y viejas actividades humanas basadas en la creatividad y se configuran como un sector estratégico, con componentes simbólicos y productivos a la vez.  

Estas industrias, especialmente las miles de pequeñas y microempresas que están a la vanguardia de la creatividad, son visionarias no sólo por su creciente pujanza económica, sino, por que son un presagio de todo una nuevo orden social y económico  con consecuencias en  la forma en que se organizan los negocios, se estructura la nueva educación  , se mide el valor de los bienes , se construye la vida laboral y se planean las ciudades en las que vivimos .

Por un lado, anticipan el camino de la estructura ontológica de nuestra era y por otro, hacen emerger nuevas industrias basadas en la conectividad y el talento humano , ponen en marcha nuevos modelos de negocio exponenciales y configuran  significativamente el nuevo paradigma económico.

Para comprender mejor y sistematizar este análisis, los efectos colaterales y las consecuencias de la presencia de las nuevas industrias creativas digitales sobre el conjunto del nuevo ecosistema social, económico y cultural, vamos a abordar la cuestión en los siguientes artículos que publicaré en los próximos dias.

El próximo artículo será el dedicado a Industrias creativas y culturales digitales  y automatización.

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Tejer redes, construir el cambio.

Las redes son las venas de nuestro cuerpo social, las vías por las que circula la información y el conocimiento en nuestro tiempo.

Por Xavier Ferrer, director de creabinars.org

http://www.linkedin.com/in/xavier-ferrer-serra

En Creabinars.org somos una red, una hub digital construido con nodos activos en conexión global, por eso al plantear esta primera píldora de economía creativa para la Cátedra iberoamericana de Industrias Culturales y Creativas, Alejandro Roemmers, nos preocupa hablar de gestión de redes y de su impacto en la economía creativa.

Hoy para iniciar el espacio de píldoras de economía creativa, invitamos a Cristian Figueroa, director y fundador de tejeredes.net, experto en metodologías y procesos que involucran el desarrollo de redes y comunidades de personas y organizaciones en espacios de cooperación social y económica a través del uso de tecnologías sociales. Cristian, tiene un amplia experiencia en emprendimiento cultural y social.

Como afirma el profesor Manuel Castells, la sociedad red, es la estructura social de nuestro tiempo, la trama de nuestras vidas, como lo fue antaño la sociedad industrial. Se fue formando en las dos últimas décadas del siglo XX, y se ha ido desplegando en el conjunto de la actividad humana, hasta transformar todo lo que hacemos, vivimos y sentimos. No es que la tecnología nos determine. Ha sido la interacción entre cambios culturales, sociales, geopolíticos con una de las mayores revoluciones tecnológicas de la historia, la que transforma información y comunicación. El resultado ha sido que vivimos de forma cotidiana en una red de redes, locales y globales, en todas las dimensiones de nuestra vida.

El mundo según Manuel Castells

Las redes para las industrias creativas y culturales, pueden entenderse con una doble lectura, como un escenario ideal para la comunidad cultural universal, apoyado en una filosofía solidaria en la transmisión del conocimiento y las experiencias, y por otra parte, una estructura económica, que imagina a cada red como una oportunidad para desarrollar potenciales mercados culturales. Entre una y otra, aparecen suficientes opciones de matices que las caracterizan.

¿Por qué son importantes las redes y su gestión adecuada en este preciso momento de la historia?

Según Cristian Figueroa Director y Fundador de TejeRedes.net, estamos en un contexto en el que los sistemas tradicionales de emprendimiento y gestión se encuentran en cuestión  y en parte, son considerados responsables de la crisis  social, económica, ambiental y organizacional. Estos sistemas  heredados a lo largo de la historia, derivaron especialmente de la primera revolución industrial, de la consecuente masificación de la producción y de las formas de comunicación del siglo XX y no son útiles  ya para el siglo XXI en la cuarta revolución industrial. En estos sistemas arcaicos, las personas de una organización eran sólo una parte de un sistema jerárquico de decisiones unilaterales.

A partir de la necesidad de buscar soluciones, y gracias a los diferentes avances de las tecnologías sociales (para conectar personas y multiplicar iniciativas y conocimientos), muchos emprendedores, equipos y organizaciones comenzaron a modificar sus esquemas tradicionales de gestión y administración, por otros más ajustados a las necesidades globales del presente y que, por otra parte, pusieran como eje al ser humano y su bienestar (calidad de vida).

La buena noticia, es que la dinámica del mercado ha hecho que progresivamente las comunidades piramidales se aplanen. Se empieza a trabajar más en red y en marcos compartidos de colaboración generando un valor, a largo plazo, con el cliente y los trabajadores. Lo anterior,ha ido generando un cambio cultural en las comunidades. Independiente de si el cambio se inicia desde arriba o abajo, sus ventajas son evidentes, mejorando las relaciones de intercambio de valor.

El diseño y gestión de comunidades colaborativas, requiere la implementación de conceptos, metodologías, tecnologías sociales y prácticas basadas en el trabajo en red y sistemas de gestión colaborativos a través del desarrollo de sistemas no lineales.

“ Tejer redes es algo así como instalar el cableado por donde circulará la comunicación. A partir de allí, los variados contenidos que se quieran conectar fluirán sin obstáculos. Cuando estamos en Red, nos disponemos a reconocer a los otros como potenciales fuentes de inspiración, en lugar de percibirlos como estorbos o competidores”

Sonia Abadí

¿Cúal es el objetivo de una metodología colaborativa como esta?

“El objetivo de la metodología tejeRedes es que las comunidades de emprendedores, equipos y organizaciones aprendan, diseñen, planifiquen e implementen una gestión o trabajo en red, a través de un sistema de articulación colaborativo, y promover el perfil del Articulador, que permita implementar las tecnologías sociales necesarias para que los participantes puedan cultivar un valor social, de conocimiento y de uso o cambio, promoviendo un sistema social y económico diferente al tradicional”

Cristian Figueroa
¿Que hacemos en TejeRedes?

Los beneficios  en relación al trabajo en red y sistemas articulación colaborativos son amplios:

A través de la articulación de conversaciones y relaciones, se construyen y emergen los liderazgos naturales (desde las bases de la comunidad).

Se abandonan los esquemas piramidales y unidireccionales para justamente horizontalizar la estructura y distribuir las conversaciones.

Promueven conversaciones en código abierto, compartido. Características fundamentales de una cultura colaborativa.

Se gestionan las organizaciones

 -usando el instinto y conexión de lo humano- para promover procesos caórdicos (gestión entre el caos y orden)

sistema caórdico

¿Como podemos establecer redes de colaboración activas?

Una comunidad está determinada por un número acotado de personas, las cuales son reconocidas por los miembros o nodos de la red. Se dice que una comunidad es una organización orientada a la acción cuando las personas de la misma se conocen y mantienen la fraternidad en un estado de permanente movimiento y armonía. Por ende, los hilos de la comunidad están continuamente comunicados.

Si imaginamos la comunidad como una verdadera fauna, podemos caracterizar a los actores que se encuentran y conviven en ella como polinizadores, articuladores, líderes, participantes activos (trabajadores o ejecutores), pasivos (estrategas o reflexivos) y cuidadores/ astutos. Cada actor puede caracterizarse por alguno de estos conceptos, sin embargo la mayoría es una mezcla.

Lo importante, ahora, es saber que en una red, ningún ser humano es igual a otro y que conforme a nuestra multipertenencia, en el espacio en que nos hallemos, también asumiremos distintos roles.

Muchos equipos o red/comunidad local se forman por acciones sociales o de emprendimiento, sin embargo, siempre existe una persona que destaca por sus cualidades de agente de cambio.Es decir, personas que son activistas sociales o emprendedores. La mayoría de ellos tienen un apellido en común: líderes

Éstos desarrollan procesos de cambio, en la cual:

En primer orden, identifican en la comunidad necesidades o problemas para transformarlos en oportunidades o retos.

Segundo, la comunidad se interesa por el reto y son capaces de impulsar directamente soluciones o equipos colaborativos para abordarlos.

Tercero, desarrollan un proyecto traducido en un negocio o acción de cambio social.

Cuarto, implementan el cambio a través del proyecto (producto o servicio).

Quinto, la comunidad valida y participa del proyecto (comprando el producto o servicio) o proceso de cambio.

El articulador

Desarrollar networking o trabajar en red es la manera en la que el Articulador teje y enreda los movimientos y conversaciones de las personas o CLEHES de la comunidad.

El articulador tiene un papel modulador central , existen ocasiones en las que el articulador debe activar más sus capacidades artísticas (en cuanto a las conexiones sociales) y, otras veces, equilibrar los movimientos de la red a las lecturas que emergen desde el cruce conceptual y metodológico en que transita la comunidad (que asociamos a las capacidades arquitectónicas). Por ejemplo, si una comunidad se encuentra con el ánimo bajo, se deben activar desde un punto de vista artístico las capacidades para subir el estado anímico. Lo anterior, debe hacerse de acuerdo al propósito central de la comunidad.

Así como el Articulador teje el equilibrio de la red, en ocasiones deberá tensionar y, en otras, relajar la red en la comunidad. Incluso, deberá cortar ciertos nodos que estén mal acomodados en la red.

Tejer es un arte que promueve el trabajo en red colaborativo. La máxima expresión de un articulador es, justamente, cuando no está y su invisibilidad logra que mágicamente la comunidad se articule por su propia sinergia.

Para más información sobre este tema:

https://www.tejeredes.net/

https://es.wikipedia.org/wiki/Sociedad_red

https://www.lavanguardia.com/opinion/20200118/472937590818/la-nueva-sociedad-red.html

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Murales para la comunidad / Videoblog

Ruth Mata / Libre Gutierrez

Murales para la comunidad, Libre Gutierrez

Libre Gutierrez empezó trabajando en pintura y dibujo desde la infancia en Tijuana México. En el año 99, no existía una escuela de arte como tal en Tijuana, y decidió optar por estudiar arquitectura en su ciudad natal. Realizar sus estudios, le ayudó a retomar el dibujo, conceptos, perspectivas, puntos de fuga y maquetas. Al cabo de un tiempo, conoció a unos amigos muralistas, y gracias a ellos Libre Gutierrez, se fue desarrollando como artista de una manera mucho más orgánica.

Ruth Mata / Libre Gutierrez

En el año 2003, expuso sus pinturas en una colectiva en la ciudad de San Diego, y fue ahí, cuando se le abrieron las puertas en el gran mundo del arte a nivel nacional e internacional. Sus obras reflejan el conflicto de la migración entre fronteras, la violación social, conflictos políticos y económicos, conflictos ajenos y el instinto de sobrevivencia.

Más información del artista Alfredo Libre Gutierrez:

https://www.facebook.com/LibreHem/

https://www.instagram.com/libre_hem/

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¿Generación Z, recambio cultural?

Spotify acaba de publicar un estudio muy concluyente respecto al salto en los valores culturales de la generación Z.

¿Quieres saber cómo son los ciudadanos Z?

Por Xavier Ferrer, director de creabinars.org

www.linkedin.com/in/xavier-ferrer-serra

Spotify presenta su segundo estudio anual sobre las tendencias globales en cultura, en un año donde considera que es más urgente y necesario conocer las dinámicas que se están consolidando, muy especialmente entre la generación Z que viene pisando fuerte.

Para ello se han realizado entrevistas y encuestas a nivel mundial con activistas, emprendedores, artistas, que revelan una actitud de reconstrucción social y económica de esta generación llamada Z, desde la base hacia la cima.

Aprovechando esto en Creabinars, hemos redactado este resumen de conclusiones acudiendo a varios estudios presentados recientemente, entre ellos el citado de Spotify:

Rasgo 1º Cultura DIY, hágalo Vd. mismo:

Casi la mitad de los Z que fueron entrevistados, en el estudio de Spotify, dijeron que las generaciones mayores, no pueden actuar como guía en este momento, porque el mundo ha cambiado demasiado, y esto fue antes de los grandes cambios de 2020. En la encuesta de julio de 2020 , ese número se elevó a un 67%.

Esto hace que introduzcan una fuerte crítica al sistema educativo actual “La visión del mundo que nos ofrece la escuela no tiene una correlación aparente con lo que vemos y necesitamos hoy “.

Esto convierte a la generación Z en autodidactas. El 33% aprende vía tutoriales en internet. Más del 20% lee en tablets y dispositivos, y el 32% hace todas sus tareas y labores online. Nacieron con la cultura Do it yourself, así que están acostumbrados a solucionar problemas y necesidades de manera personal y enfocada. El acceso a internet les ha dado las herramientas necesarias para encontrar la manera de construir su propio mundo.

Para los jóvenes que han crecido con Internet, para el conocimiento se ha
hecho plano, sin jerarquías ni compartimentos. Su personalidad está siendo conformada en una sociedad líquida

Deusto Bussiness school

Por ello, la Fundación COTEC, afirma en su decálogo para reiniciar la Universidad que es necesario integrar en los procesos educativos universitarios los diferentes contextos formativos –formal, no formal e informal–;  además de combinarlos con la capacidad autodidacta, que crece día a día gracias al acceso a la información y al conocimiento que proporciona la tecnología. En paralelo, deben crearse canales de comunicación y trabajo en equipo que conecten entre sí a las diferentes etapas del sistema educativo formal, prestando una especial atención a la relación entre Formación Profesional y universidad.

Rasgo 2º La tecnología fin y principio de todas las cosas:

Los miembros de la Generación Z, han hecho del uso masivo de las redes sociales su seña de identidad. De esta forma, cada vez tienen más oportunidades de colaborar en proyectos culturales, sociales, políticos y empresariales, así como de expresar su creatividad con menos esfuerzo. Pero este concepto de socialización, también supone un reto para esta generación, que deberá saber equilibrar su vida real y “cibernética”, así como lidiar con el riesgo de adicción tecnológica y otros peligros relacionados con la privacidad, el acoso y el cibercrimen.

De hecho, las plataformas tecnológicas, no solo brindan la oportunidad de descubrir cosas, también permiten que los Z colaboren, creen y compartan , vendan, y promuevan su trabajo. “¿Qué hace nuestra generación única? “, dicen ,” El hecho de que hay muchas formas en que la gente puede convertir sus pasiones en carreras “.


“Estamos en esta era en la que puedes
construir algo y luego encontrar
gente apasionada que siga ese camino contigo “

Larissa @livinlikelarz


infografía sobre el patrón de consumo de medios de la generación Z

Esta idea de autodescubrimiento no es exclusivo de los Z y los millennials, pero tiene un aspecto diferente gracias al acceso y el crecimiento de la oferta en tecnologías de la conectividad.
A través de su investigación, Spotify descubrió que los jóvenes se forman cada vez más identidades basadas en intereses específicos, y se vinculan con otros que comparten esos mismos intereses en todo el mundo: el 70% de los estadounidenses Z y los millennials, dijeron que es mucho más fácil sentirse conectado a una comunidad hoy gracias a las plataformas digitales. Cuando se les preguntó sobre los elementos que alimentan su autodescubrimiento, el 76% citó la música y 68% citó los podcasts.

Rasgo 3ª Autonomía laboral:

La generación Z, es la generación de las Startups: buscan, principalmente, desarrollar emprendimientos sociales que promuevan un cambio, que impacte positivamente en la comunidad.

“Este nuevo mundo en desarrollo que combina alta tecnología e hiperconectividad, ha dado como resultado que toda una generación piense y actúe de manera más emprendedora”.

DEEP PAttel, Marketing strategist

Para triunfar, confían en su “red” de contactos antes que en los diplomas, y prefieren una organización horizontal, antes que una jerárquica.

Los jóvenes de esta generación valoran el dinero, pero valoran todavía más los buenos proyectos, por lo que si se comprometen con uno realmente, son entusiastas.

Según el informe de Deusto Business School a los Jóvenes Z, les preocupa no encontrar un empleo acorde a su personalidad, no tener oportunidades de crecimiento profesional y no alcanzar las metas que se marquen a lo largo de su carrera. Asimismo, prefieren entornos flexibles que faciliten la conciliación de su vida profesional y personal, así como favorezcan su creatividad.


Por otro lado, la Generación Z, acentúa las particularidades de los millennials, pues su preferencia por la autonomía en el entorno laboral, fuerza a las empresas a proporcionarles una esfera de libertad en la que se alineen sus intereses con los de la organización.


Además, estos jóvenes acostumbrados a la inmediatez y eficiencia que
proporciona la tecnología incrementan la presión de las empresas por revisar sus procedimientos internos e invertir en su mejora.
Por último, las nuevas generaciones serán protagonistas de la llamada
gig economy, es decir, una gran red de trabajados autónomos que,
enlazados en cadena, generan un gran proyecto. Una parte de los Jóvenes
Z se acostumbrará a vincularase a proyectos más que a empleadores, lo
que proporcionará mayores cotas de libertad y autonomía, aunque también
incrementará la incertidumbre y el riesgo de caer en la precariedad laboral.

Rasgo 4ª Espacio físico, espacio virtual

La combinación de los espacios físicos y los virtuales es otra de las características del comportamiento de esta generación. Los espacios virtuales en modo alguno están sustituyendo a los espacios físicos, pues las técnicas virtuales permiten sumergirse en la imagen, actuar y trabajar en un universo tridimensional. Bajo este punto de vista, no podría hablarse de que lo virtual y lo físico sean dos realidades incompatibles, pues contrariamente a lo interesadamente sostenido por algunos, los espacios virtuales no están pensados para un uso individual sino para la sociabilización, ejemplo de ello son las diferentes ligas de e-sports.

Las herramientas tecnológicas ofrecen a los jóvenes nuevos espacios y tiempos virtuales, que facilitan el contacto con otras realidades e interactuar con personas que no están en su entorno cercano, pudiendo desarrollar sus opiniones, prejuicios y estereotipos sobre distintas facetas de la vida.


Y quizás, en este punto es donde se visualiza una de las principales diferencias con respecto al impacto de la tecnología en la vida de las distintas generaciones, pues para los Nativos Digitales, no es posible separar la tecnología de su vida personal, ya que consideran al mundo virtual como
parte esencial de su entorno natural y, por ello, tan real como el mundo
físico.

Rasgo 5: Activismo de contenidos


La Generación Z quiere ser parte de la conversación política, y su acceso sin fisuras a la tecnología y a todo tipo de contenidos les permite participar de una manera que ninguna generación ha tenido antes.

Los podcasts que mezclan el estilo de vida y la política encabezan las listas de éxitos. Puedes visitar The Daily y Pod Save America como un ejemplo para comporobarlo. Un significativo 66% de los encuestados dijeron que esperan que las marcas formen parte del debate, que promuevan los valores progresistas y que desempeñen un papel más significativo en la sociedad. “Nuestros ojos se han abierto a la falta de liderazgo de los que están en posiciones de poder”, dice la estrella del pop canadiense Alessia Cara, “y, a su vez, muchos de nosotros hemos tenido que dar un paso adelante en su lugar”.

Pod save america, conversación política para la generación Z

“Somos audaces, intrépidos, descuidados, creativos e intrigantes”, Addy, un participante del estudio de Carolina del Norte.

spotify generación Z

El audio no es sólo ruido de fondo, dijo el 50% de los encuestados del estudio de Spotify y juega un papel muy importante en su vida cotidiana. Así que el silencio también puede ser oro. Para concienciar sobre el Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer, Marie Claire llevó a cabo una campaña de anuncios silenciosos de 30 segundos en Spotify. Los oyentes asumieron que había un fallo y miraron sus teléfonos, sólo para ver un mensaje que explicaba el peligro de permanecer en silencio sobre la violencia. Las comunicaciones poderosas e impactantes como ésta dejan una impresión duradera en la Generación Z.

La Generación Z cree que cualquier persona en cualquier lugar tiene el poder de romper el “statu quo” de los medios sociales y convertirse en influencer y activista social. El 72% de las personas encuestadas en 2018 dijeron que el descubrimiento impulsa su felicidad, así que para triunfar en su medio hay que darles algo nuevo y auténtico.

En resumen, la generación Z es nativa digital, siendo el uso de los teléfonos inteligentes esencial para sus integrantes. Asimismo, sus gustos, relaciones y prioridades se vinculan con la información que perciben en el mundo digital. Por otra parte, se distinguen por ser creativos y les gusta aprender por sí mismos. Son combativos socialmente y críticos con las empresas e instituciones, Poseen un amplio conocimiento sobre las tendencias tecnológicas y una alta capacidad para encontrar soluciones haciendo un uso eficiente de los recursos disponibles y  finalmente, La inmediatez es otro de los rasgos que los distingue.

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¿Una educación STEAM?

¿Sabes qué es la educación STEAM?

¿Y que es el nuevo paradigma educativo, no sólo para el siglo XXI, sino para el nuevo milenio?

Por Rocío Silleras/ Creabinars.org/ España

Ante la revolución tecnológica en la que estamos inmersos, la educación STEAM cada día tiene más importancia. En algunos círculos educativos es bien conocida, pero en otros y más aún en otras áreas profesionales no es así, o se tiene una idea poco clara o incluso errónea de lo que es. En este post, quiero introducir este tipo de educación y despejar algunas dudas que creo que comparte mucha gente. Si te interesan estos temas, este es tu post.

«El Arte es el Rey de todas las ciencias a la hora de comunicar conocimiento a todas las generaciones del mundo.»

Leonardo da Vinci

Soy una apasionada de la educación STEAM, no sólo porque me parezca la mejor estrategia que tenemos para abordar la educación necesaria hoy día, sino porque además puede ser divertidísima. Un genial estímulo para enseñar y aprender.

Como buena mediterránea me gusta charlar con colegas, amigos y conocidos de la vida y las cosas que me importan. Una de esas cosas es la educación STEAM. En esas conversaciones me he dado cuenta de que, a pesar de que hoy día está muy de moda, muchas personas no la conocen en realidad.

A veces incluso he oído como relacionaban la A de STEAM con arquitectura, o con disciplinas todavía más alejadas de lo artístico. Supongo que para algunos es complicado ver al arte unido a esas complejas ciencias y tecnologías. Imagino que por eso lo asocian con arquitectura. Para todos es evidente que tiene parte de arte, ciencia y tecnología.

Sin embargo, esa maravillosa A que se metió entre STEM significa arte. Y sí amigos, aunque os parezca raro, el arte es el que nos ayudará a conocer, practicar e incluso innovar en todo lo demás.

Educación STEM:

– ¿Qué es educación STEM?

Pero vayamos por partes. Lo primero es conocer qué significan estos dos acrónimos. Comencemos por STEM, que proviene de Science, Technology, Engineering and Mathematics (ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas). Alude, por tanto, a las áreas del conocimiento más importantes hoy día.

La educación STEM es un nuevo enfoque educativo que también apela a esas áreas. Pero no solo trata de destacar su importancia para este siglo, sino que propone nuevas formas de aprenderlas y enseñarlas. En ese tipo de educación se intenta aunar ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas como un todo, donde además estas disciplinas están interconectadas y se afectan unas a otras. Algo que ya ocurría en ellas, pero a lo que no se le había dado el suficiente protagonismo. Por eso ahora se oyen tanto las palabras inter-, multi- y trans-disciplinar.

– ¿Por qué es necesaria?

La educación STEM está de moda y no porque se lleven los lunares. Son producto de las necesidades educativas de la nueva era en la que nos encontramos, un momento en el que las tecnologías de la información y la comunicación (TIC), la Inteligencia Artificial (IA), el Big Data, el Internet de las cosas (IoT), la robótica, las energías renovables y las impresoras 3D (entre otros avances) están cambiando nuestro mundo, sus sociedades y los modos de producción, relación, comunicación y trabajo a pasos agigantados. La IV Revolución Industrial ya está aquí, y cada vez vemos sus efectos más rápido.

¿ Educación STEM?

A esto se suman los importantes retos que la humanidad tiene que superar durante esta época. Como el calentamiento global, la transición ecológica, el desarrollo de una economía más inteligente, consciente de su impacto y más sostenible, así como la transformación de la industria, el transporte, las infraestructuras, las ciudades… Y tampoco podemos olvidar la actual pandemia. Vamos, que no nos vamos a aburrir.

En esta nueva era, el mercado laboral en particular y la humanidad en general, necesitan de un gran número de profesionales en estas disciplinas científicas para avanzar hacia esos objetivos, ya obligatorios. Por eso nació la educación STEM y por eso es tan necesaria.

Todo esto también vale para la educación STEAM. Y es que, la principal función de las prácticas STEM y STEAM, es ayudarnos a comprender este nuevo mundo y dotarnos de las competencias necesarias para desenvolvernos en él con consciencia, autonomía y libertad.

Educación STEAM:

– ¿Qué es la educación STEAM?

El término STEAM proviene de Science, Technology, Engineering, Arts and Mathematics (ciencia, tecnología, ingeniería, arte y matemáticas). Como veis, la A es de Arts, que en nuestro caso corresponden a Arte + Diseño, ya que según el currículo de cada país pueden aparecer unidas o separadas. De esta forma se incluyeron a las artes dentro de las áreas de conocimiento más destacadas.

¿ Qué es la educación STEAM?

La educación STEAM es una de las muchas vertientes que han ido surgiendo en la evolución de la educación STEM. Como ST2REAM, donde a lo STEM se añade el T2 (Teaching o thematic instruction, enseñanza o instrucción temática), la R de (Reading, lectura) y la A de arte y diseño.

No os quiero aburrir con jaleos pedagógicos. El resumen es que docentes y pedagogos intentan establecer las mejores formas de enseñar para facilitar el aprendizaje de lo STEM. Y en esta búsqueda, parece que la A cada vez tiene más repercusión. Pero…

¿Por qué es tan importante el arte?

Nos guste o no, gran parte de la educación de cada época es definida por la economía y el tejido industrial que acompañan a esa sociedad. Muchas veces han sido ellas las que han dictado la dirección en la que debía encaminarse la educación. Con STEM y STEAM ha ocurrido lo mismo.

Después de que las grandes empresas e industrias incorporaran en sus plantillas a los perfiles profesionales STEM, comprobaron que, aunque contaban con la gente más brillante, todavía no tenían al personal idóneo para realmente hacer innovaciones e implantarlas de manera efectiva. Su solución, comenzaron a contratar a creativos. Ahí sí que empezaron a despegar.

Como ocurrió con STEM, la industria señaló sus nuevas necesidades y ese fue el germen del nacimiento de la educación STEAM, que sitúa al arte, al diseño y a la creatividad en el centro de la ecuación.

– Otras cosas que hacen importante al arte:

Además de creativos, también se vio que en la sociedad se necesitaría a mucha gente del resto de perfiles y áreas, pero estos, obligatoriamente, tendrían que ser altamente cualificados y estar acostumbrados a la multidisciplinariedad, lo científico, lo digital y el trabajo colaborativo, además de tener grandes capacidades creativas, de análisis y de resolución de problemas.

Nuevamente el arte aparecía como vehículo facilitador para que el resto de perfiles adquirieran esas competencias lo más rápidamente posible.

Ejemplos de proyectos educativos STEAM europeos.

Ejemplos prácticos de la importancia oficial de lo STEAM:

Hoy día la irrupción de las artes en la educación STEM parece un hecho. Prefiero no abrumaros con tecnicismos, informes y guías oficiales europeas. Esas ya me las leo yo. Aunque son muy interesantes, al menos para mí, reconozco que pueden ser un poco tostón para otros.

Además, creo que es mucho más divertido y sobre todo útil, enlazaros directamente con un sugerente picoteo de algunos de los numerosos proyectos STEAM que desde hace algunos años se desarrollan en Europa. Ellos demuestran su paulatina implantación y esa creciente importancia. Aunque esto es solo un pequeñito ejemplo de lo que hay.

steameducation.eu

steamon.eu

innovationsteam

dlaberasmus.eu

casecenter

prosjektsider

casadamusica

Resumen de lo más importante:

Parece que la educación STEM y STEAM son el futuro ya presente. Y me temo que ante la Revolución Industrial, alumnos, docentes y profesionales de todos los sectores tenemos que ponernos las pilas.

Y no solo porque sea la nueva máxima educativa europea o mundial, o por actualizarse y estar cualificado para encontrar un buen trabajo en esta difícil época, algo que ya tiene una enorme importancia. Sino porque el mundo, todas las personas que lo habitamos y cada uno en particular, necesitamos actualizarnos para superar los retos a los que nos enfrentamos.

Y tú ¿qué opinas de la educación STEAM?

¿Crees que nos ayudará a superar todos esos retos?


Referencias:

STEAM Education [WWW Document], n.d. URL https://steameducation.eu/ (accessed 10.13.20).

STEAMon, The project – Home page [WWW Document], n.d. URL http://www.steamon.eu/s/ (accessed 10.13.20).

Innovation starts with action! STEAM [WWW Document], n.d. Innovation starts with action! STEAM. URL http://innovationsteam.weebly.com/ (accessed 10.13.20).

Administrator, n.d. Welcome to the Digital Learning across Boundaries (DLaB) Website [WWW Document]. DLaB Erasmus. URL http://dlaberasmus.eu/ (accessed 10.13.20).

CASE – Høgskulen på Vestlandet, n.d. URL https://casecenter.no/ (accessed 10.13.20).

Write a Science Opera (WASO) | HSH, n.d. URL http://prosjektsider.hsh.no/waso/ (accessed 10.13.20).

Casa da Música – Digitópia [WWW Document], n.d. URL http://www.casadamusica.com/digitopia# (accessed 10.13.20).

Rocío Silleras-Aguilar

PhD in Fine Arts, specialist in plastic and sound art. Expert in Artificial Intelligence and Big Data.

https://www.linkedin.com/in/rocio-silleras-aguilar/

https://www.facebook.com/rociosillerasart

https://www.instagram.com/

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Seminario universitario online, diplomacia cultural: innovaciones y desafíos / Videoblog

La Cátedra de industrias Culturales y Creativas de la Universidad Miguel Hernández analiza los retos y desafíos de la diplomacia cultural en el siglo XXI.

Para muchos de nosotros esta idea de diplomacia cultural puede sonar lejana o extraña, pero, ¿Qué es esto de la diplomacia cultural? si acudimos a la wikipedia, encontramos la siguiente definición La diplomacia cultural es un tipo de diplomacia pública y poder blando que incluye el “intercambio de ideas, información, arte, lenguaje y otros aspectos de la cultura entre las naciones y sus pueblos para fomentar el entendimiento mutuo”. Y ¿ Cúal es su función?​ El propósito de la diplomacia cultural es que las personas de una nación extranjera desarrollen una comprensión de los ideales e instituciones de la nación en un esfuerzo por generar un amplio apoyo para los objetivos económicos y políticos.

Josep Borrell, Alto representante de la UE para Asuntos Exteriores en este pequeño video, nos cuenta un poco más sobre este concepto de diplomacia cultural.

¿Qué es la diplomacia cultural?

En este contexto y para analizar la evolución de la diplomacia cultural en una sociedad hiperconectada, donde los intercambios informales e instantáneos entre los agentes culturales son la norma, La Cátedra Iberoamericana ‘Alejandro Roemmers’ de Industrias Culturales y Creativas (UMH) y el Instituto Europeo de Estudios Internacionales (Cátedra de Diplomacia Cultural) organizan el Seminario Internacional Una diplomacia cultural para el Mediterráneo. Innovaciones y desafíos, que se celebrará en el campus de Orihuela durante los días 3, 4, 5 y 6 de noviembre próximos. Durante estas jornadas –en la que participarán veintiocho expertos nacionales e internacionales- se pretende actualizar el análisis de la situación geocultural de la región y señalar las tendencias de evolución en los próximos años, abordando en un contexto riguroso las innovaciones en curso, y las que pueden producirse en los próximos meses, relativas a la adecuación de la diplomacia cultural española dentro de un nuevo esquema de diplomacia pública en el que coinciden la cultura, la promoción económica y la comunicación.

Inscríbete aquí https://forms.gle/CSivXxZ8qVoMDv3NA

En la sesión inaugural intervendrán Rubén Martínez Dalmau, vicepresidente segundo del Gobierno valenciano y profesor de Derecho Constitucional de la Universidad de Valencia, que hablará sobre “La profundización de las relaciones euromediterráneas, entre la política y el Derecho”; Alfonso Lucini, embajador de España para el Mediterráneo y el Oriente Próximo, que desarrollará la conferencia: “El mapa geopolítico mediterráneo como contexto de una diplomacia cultural española y europea”; y Guzmán Palacios Fernández, director de Relaciones Culturales y Científicas de la AECID que disertará sobre “La acción cultural española en la orilla del Mediterráneo: experiencias y perspectivas”.

El mismo día hablarán Mario Torres Jarrín, director del Instituto Europeo de Estudios Internacionales (“¿Por qué es importante tener una diplomacia cultural europea para el Mediterráneo?”) y Joan Álvarez, director de la Cátedra de Diplomacia Cultural y del Laboratorio de Creatividad y Liderazgo Cultural sobre “Dos experiencias de diplomacia cultural pública y privada: ‘Un diván en Túnez’ y ‘Cultures pour vivre ensemble’”.

El día 4 de noviembre, Ángel Badillo, investigador principal de Cultura y Educación del Real Instituto Elcano, Pilar Garrido, profesora de Estudios Árabes e Islámicos (Universidad de Murcia) y Marga Crespo, directora de proyectos artesanales en el Norte de África, desarrollarán el tema “La relación europea en la dinámica cultural entre las dos orillas”. A continuación, se presentará la ponencia titulada “La cultura como cooperación, intercambio y coproducción”, a cargo de Federico Buyolo, director adjunto del Gabinete de la Ministra de Educación; Rafael Soriano, director de Relaciones Internacionales del Instituto Cervantes; y Vanesa Weiss, gestora cultural, especializada en diplomacia cultura extranjera en España. La jornada concluirá con las conferencias “La Diplomacia cultural de la Unión Europea en el espacio mediterráneo: reflexiones estratégicas y escenarios futuros”, a cargo de Ana Tomás, profesora de Derecho Constitucional, Instituto Mediterráneo de Estudios de Protocolo; y “El Mediterráneo, mar de culturas, mar de paz”, a cargo de Juan José Sánchez Balaguer, codirector de la Cátedra ‘Alejandro Roemmers’ de Industrias Culturales y Creativas (UMH).

El día 5 se abordará “El papel de las fundaciones y la colaboración público-privada” a cargo de Mercedes Giovinazzo, directora de la Fundación InterArts; María Helena de Felipe, presidenta de AFAEMME (Federación de Asociaciones que agrupa a mujeres de negocios de 24 países mediterráneos), Aitor L. Larrabide, director de la Fundación Cultural Miguel Hernández y Alejandra Martí, directora ejecutiva de Ópera Latinoamericana, Chile. Y seguidamente, sobre “El cruce de culturas: la óptica del creador” hablarán: Mostafa Romli, presidente del Centre d’Art Contemporaine de Essaouira (Marruecos); Oliver Laxe, cineasta; Javier Valenzuela, periodista y escritor; y Joan Álvarez, director de la Cátedra de Diplomacia Cultural. A continuación, Francisco Sanjuan, profesor de Derecho Constitucional (UMH) ofrecerá su conferencia: “Las industrias creativas como alternativa de cooperación”. 

El día 6 habrá un coloquio sobre “El papel de las ciudades y las regiones en el diálogo creador de cultura”, con la intervención de Xavier Ferrer, presidente de la Asociación para el Fomento de la Economía Creativa Viver Creatiu, y Director de Creabinars, hub creativo digital iberoamericano; Rosario Tur Alsina, catedrática de Derecho Constitucional (UMH); y Luis González-Arenal, arquitecto, experto de la UNESCO en creatividad y diseño, comisionado de Innovación y Diseño del Estado de Puebla, México. Seguidamente, Juana Aznar Márquez, profesora titular de Fundamentos de análisis económico (UMH), hablará sobre “Amar y proteger: las mujeres rurales y el patrimonio cultural”. Y Antonio Núñez García-Sauco, presidente del Instituto Europeo de Estudios Internacionales cerrará con su conferencia “El Mediterráneo como ámbito civilizatorio”. La clausura corresponderá al decano de la Facultad de Ciencias Sociales y Jurídicas de Orihuela (UMH) y director de la Cátedra IARICC, Antonio J. Verdú Jover. 

Las sesiones se desarrollan on line. Las inscripciones para el Seminario pueden realizarse en:

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